Частина інтервʼю Irina Belan (у якої нещодавно вийшла друком власна книга!) зі мною для вересневого випуску французького арт-журналу Argument, 2024, присвяченого природі в мистецтві.
Краще пізно, ніж ніколи, опублікувати кілька чудових проникних питань Іри (вибач цей time gap!) саме про мою серію Квіти чи Вибухи, адже планую продовження. Хоча можливо, це не gap, а необхідна відстань і те, що я відчуваю саме зараз, кожної весни: квіти, що зʼявляються з землі так беззаперечно, наштовхують на роздуми…
І.Б.: 15 жовтня цього року виповнюється 100 років сюрреалізму. Я тебе вітаю як художницю з цим ювілеєм. Сюрреалізм з суто літературного феномену дуже швидко перетворився на мультикультурне явище. Очі у сюрреалізмі, наприклад у картинах Сальвадора Далі, або їх відсутність у картинах Рене Магрітта, відіграють важливу роль. Яку роль їм у своїх роботах відводиш ти? Означає чи ні їх присутність на твоїх полотнах, що ти звернулась саме до сюрреалістичних традицій?
А.К.: Дякую! Якщо звернутися до моїх робіт різних серій, ідея з очами виникла ще у 2019 році в моїй серії Relations with the Image. Там я використовувала очі-аплікації з тканини і бісеру, страз. Очі символізують внутрішнє бачення, передчуття невідворотності та інтуїції. У роботах із серії Flowers or Explosions я використовувала кристали Swarovski, щоб зробити написані олією очі ще виразнішими. Очі – це найважливіший орган для візуального митця, тому що все це стосується візуальної культури. “Camera Lucida. Reflections on Photography” Ролана Барта, “Techniques of the observer” Джонатана Крері, “Inside the White Cube” Брайана О’Доерті: є багато програмних книг про візуальну культуру XX століття, які торкаються питання ока, спостерігача і зображення. Символічне значення також стосується сучасного питання соціальних медіа та алгоритму, який вибирає, що нам показувати, а що ні. В серії Flowers or Explosions — це очі спостерігача подій, жахливих подій початку війни, свідками яких були всі українці. Мене наштовхнув на цю ідею символ з інтерфейсу соцмереж, що позначає «sensitive content», закресленого ока, коли реалії нашого життя почали приховувати налаштування алгоритмів, щоб не травмувати аудиторію. Але ми все одно все бачили, ми не могли не бачити. Після закінчення серії я почала про це думати, аналізувати, і більше схилятися до символізму, ніж до сюрреалізму, якщо говорити про мистецький напрямок. Cюрреалістичним є той світ, який нас оточує з 2014 (а тим більше – з 2022 року).
І.Б.: Зараз сучасно говорити про сторітелінг, про створення наративу у живопису. Яку роль ти відводиш сторітелінгу у своїй творчості? Чому, мені здається, що перший раз у твоєму досвіді, в тебе з’явилися потужна лінгвістична складова?
А.К.: Дякую, що помітила. Памʼятаю, що в своєму інтерв’ю цьому журналу Argument у 2022 році я сказала, що не знаю, яким тепер буде моє мистецтво після початку повномасштабного вторгнення, але точно воно має змінитись, бо змінилось все, і я сама. Я більше не можу бути в своїй бульбашці, я відчуваю себе частиною України, мого дому, культури, коханих людей. І коли все це намагаються знищити, я просто не можу ігнорувати це і мовчати, я хочу розповідати про це світові, попри біль і важкість такого наративу. Весною 2022 року, коли російський напад на нас був такий несподіваний і ситуація критична, треба було діяти швидко і відчувала, що не можу мовчати: я дала безліч усних і письмових інтерв’ю журналістам, телеканалам, платформам, блогерам і мистецтвознавцям про події, які відбувались буквально поруч. Мені здається, я навчилась розповідати історії з того часу. Мистецтво — навіть кращий спосіб, хоча і більш повільний, донести правду до світу, висловити свою позицію.
І, дійсно, в серії Flowers or Explosions, кожна картина є особливою історією, бо створювалась буквально посеред війни, де все відчувалось дуже гостро, бо всі ми пильно слідкували буквально кожного дня за тим, що відбувається в Україні. Це відображається в назвах робіт, наприклад, Свідок Землі, Free the Leopards, Контрнаступ або Storm Shadow. Про кожну картину тепер можу розповідати окремо і довго, бо кожна робота — символ надії, опору і сили, бо такі події дійсно вражають, у саме серце. Тепер я дуже саркастично ставлюсь до ідеї “художник — це той, кому є що сказати”. Як сказав зі сцени вручення Оскару український режисер “20 днів у Маріуполі” Мстислав Чернов, “краще б цього фільму ніколи не було…”
І.Б.: Як виникла серія “Квіти та вибухи”? Чому ти вийшла за рамки класичної техніки і додала до них своїх робіт колажі? Як вони збагатили твою графіку?
А.К.: Серія почалась весною 2022 року з невеличких робіт на папері формату А4, які я робила в Києві під обстрілами, коли в Києві ще не було Patriot, і коли кожна сирена могла означати кінець. Я багато волонтерила тоді і багато донатила військовим, госпіталям, друзям і знайомим, які їздили в гарячі точки і збирали на машини, обладнання, амуніцію: роздала майже всю поміч, що отримувала з-за кордону як з продажу робіт, так і з колаборацій і просто так від від людей, які знали мене як художника. Тому ці перші роботи відображали мій стан “на межі”. В якийсь момент в квітні я помітила, що весна дає своє: з землі зʼявляються перші квіти. Це був інсайт, дуже сильне відчуття, що життя продовжується. Я відчула, що люблю все що мене оточує: людей, землю, квіти. В травні я видихнула і придбала свої улюблені рожеві півонії, цілий букет у місцевої бабусі і була абсолютно щаслива лише від цього. Мабуть, це важко зрозуміти тим, хто не переживав близькість смерті протягом тривалого періоду і тотальну невизначеність, обмеження. В мене було велике полотно 150*150 см, і я використала його для картини Рожеві півонії, не роздумуючи, бо хотіла зловити момент, поки мої квіти так гарно пахнуть. Це була точка відліку серії: далі я розширила свій спектр матеріалів і підходів, а такий примітивний символ, як малюють діти, схожий одночасно на квітку і на вибух, перейшов з графіки і на великі полотна. Я обрала за основний рожевий колір – як символ опору болю і стражданням. Поряд з чорним. Як ствердження життя.
Квіти чи вибухи – також данина дадаїзму в колажному сенсі: але це не класичні паперові колажі. Я буквально ліпила, як скульптуру, щось тактильне, ті роботи, використовуючи якомога більше фактур, що були під рукою: бабусині серветки, пастозну олію, пастель, тканинну аплікацію, стрази і бісер, і навіть вишивку, щоб відчути це на дотик. Це давало мені відчуття, що я ще жива.
І.Б.: Давай знову звернемося до Бретону. “Розум, якій занурюється у сюрреалізм, знову переживає з палаючим хвилюванням найкращу частину дитинства”. Яку частину твої дитячі спогади займають у твоєї творчості тобто наскільки ти сюрреаліст?
А.К.: Цікаве питання. Воно для мене більше психологічне, ніж мистецькознавче. З початком війни, переживаючи так звану точку безумовного страху (що має коріння з дитинства), я ніби в якийсь момент впала у цей слабкий розгублений стан, мов дитина, що не має захисту. Потім гойдалки пішли у протилежний бік – у бік дитячого захвату, енергії життя і натхнення тим, що є тут і зараз і я можу творити далі. Це емоції, які можна відчути в роботах, тому вони такі безпосередні, не академічні, і навіть дикі (хоча також там є елементи, так би мовити, реалістичні). Мабуть, вони нагадують те відчуття тотальної свободи, з яким у мене асоціюється дитинство, особливо влітку.
В роботах Flowers or Explosions багато всього з мого дитинства: і рожеві півонії, і серветки бабусі Жені у вигляді квітів, і символ квітки-вибуху, схожий на дитячі малюнки. Може, це моє прагнення повернутись у дитячу безтурботність, яку, схоже, ми всі втратили через війну.
Особлива подяка Francois Beauxis-Aussalet за вже другу публікацію, примірники та Олександр Горбатюк за підтримку, завжди (з цією серією і зі всіма іншими, за твої ідеї і сили!)
В мене є англомовний примірник цього журналу з повним інтервʼю в подарунок тій/тому, хто захоче придбати роботу з цієї серії.
Контрнаступ | Counteroffensive (150*150 cm, 2023) | View info
Свідок землі | Eyewitness of the ground (120*160 cm, 2023) | | View info
Amazing time with Ukrainian women artists within feministic residency with Martin Roth Initiative and @ifa.de support in Zietz, Germany in the beginning of March. This was an offline part of our long-term online art residency, with the common aim of a publication (good news: it will be a printed version too 🤩!)
Our projects, support, ideas, saturated program, workshops, and time in Leipzig were like a fresh air within a war reality for all of us. I’ve met a new community, which is an actual treasure for me nowadays. Thank you to all involved. If I missed someone to tag, please comment below. Love 💕
Mycologist Alisa Atamanchuk & Alena Kuznetsova artist within Serendipitous Events science art laboratory and show by Port of Culture.
Grow boxes with mycelium, 2-channel video, and installation with mycelium elements.
Special thanks to the partners: @_unfpa_ukraine_ @euinua @heforshe_ukraine
Welcome till 16.03 at @ukrainskyi_dim
Питання, чи є “горизонтальною” українська мистецька та наукова спільнота, виявилось доволі дискусійним, адже навряд чи можна уявити повну відсутність конкуренції та мізогінії у цих сферах. Здатність підтримувати зв’язок і обмінюватися ресурсами та ідеями, коли колеги продовжують залишатися частиною єдиного «організму», дає можливіть для виживання і розвитку. Прикладом живої мережі, що функціонує як цілісний організм, є міцелій.
За втіленням принципу ризоми – мережевої децентралізованої системи, яка адаптується до змін і постійно формує нові зв’язки, міцелій у природі та горизонтальні зв’язки у соціумі – це нелінійні структури, які забезпечують взаємодію, обмін ресурсами і виживання в складних середовищах. Такий спосіб обміну інформацією між різними елементами однієї системи нагадує про їх взаємопов’язаність і акцентує множинність і відкритість до нових з’єднань. Чи можуть принципи таких гнучких систем втілюватись у суспільстві на заміну уявленням про лінійні й ієрархічні структури?
Чи може ця мрія стати реальністю нашого суспільства тут і тепер? Які умови потрібні для того, щоб люди не змагались, а колаборували, ділилися досвідом? Лабораторія Випадкові Події, як втім і деякі інші мистецькі резиденції, – була прикладом такої утопії, де, хоч і на доволі короткий термін, мисткині і науковиці мали спільну мету, однаковий для всіх ресурс (поживний ґрунт) і умови, де зароджувались нові взаємозв’язки та ідеї. Така собі багатовимірна структура, де всі точки взаємопов’язані і здатні до інтеграції.
En
The question of whether Ukraine’s artistic and scientific communities function as truly “horizontal” networks remains open to debate. It is difficult to imagine these fields being completely free of competition and misogyny. Yet, the ability to maintain communication, share resources, and exchange ideas — where colleagues function as part of a single “organism” — creates opportunities for both survival and growth. A compelling natural example of such a system is mycelium.
Embodied within the concept of the rhizome — a decentralized, networked system that constantly adapts and forms new connections — mycelium in nature, like horizontal connections in society, operates as a nonlinear structure. It facilitates interaction, resource exchange, and resilience in complex environments. The way information flows through such systems highlights their interconnectedness, multiplicity, and openness to new relationships.
Can the principles of these adaptive networks be applied to society, replacing rigid hierarchical structures with more fluid, cooperative ones? Can this vision become a reality here and now? What conditions are necessary for people to collaborate rather than compete, to share experiences instead of withholding them? The Laboratory of Serendipitous Events Initiative, along with other art residencies, has served as an example of such a utopian space — where, even if only briefly, artists and scientists shared a common goal, access to the same resources (a “fertile soil”), and conditions that fostered new relationships and ideas. It functioned as a multidimensional structure, where all points were interconnected and capable of integration.
З 1 до 16 березня в Національному центрі «Український Дім» відбудеться виставка «Випадкові події».
Це експериментальний проєкт, у якому технології переплітаються з художнім баченням, а ідеї народжуються у несподіваних поєднаннях.
Для першої частини виставка десять інноваторок разом із десятьма художницями переосмислили свої сфери діяльності та створили артоб’єкти на межі науки й творчості. Теми варіюються від глобальних викликів — ядерної безпеки, технологічних ризиків і відповідального використання ресурсів — до особистих: жіночої тілесності, простору для самовираження й інклюзивності.
Серед інсталяцій роботи: Альони Кузнєцової та Аліси Атаманчук, Катерини Тимошенко та Ольги Зоти, Олександри Клод та Алли Петренко-Лисак, Марії Леоненко та Настасі Клен, Катерини Шиман та Дарини Фес, Євгенії Лаптій та Олени Компанієць, Євгенії Григор`ян та Катерини Шаванової, Тетяни Чучко та Марини Левченко, Дар’ї Зименко і Тетяни Зубченко, Софії Брем і Лєри Полянськової.
Також на виставці «Випадкові події» представлена ретроспективна частина, яка досліджує роль жінок у мистецтві та науці, починаючи з післявоєнного часу (кінець 1940-х років) і до нашого сьогодення.
У цій частині — роботи мисткинь: Аліни Ламах, Галини Зубченко, Ади Рибачук, Алли Загайкевич, Лесі Заяць, Оксани Чепелик, Оксани Плисюк, Марії Куликівської, Ксенії Гнилицької, Дани Косміної, Алевтини Кахідзе та Азізи Ескендер.
А також науковиць: Антоніни Прихотько, Зоре Аблямітової, Катерини Ющенко, Надії Харчук, Ірини Вавілової, Світлани Краковської, Нани Войтенко, Катерини Терлецької, Олени Паренюк та Ольги Малюти.
Усі охочі зможуть долучитися до серії лекцій, дискусій та кураторських екскурсій, що проходитимуть упродовж виставки.
Коли: з 1 до 16 березня Де: Національний центр «Український Дім». Київ, вулиця Хрещатик, 2 Графік: вівторок-неділя з 11:00 до 19:00 Вхід вільний
Чекаємо на вас, щоб разом дослідити невипадкові випадковості!
Ініціатива «Випадкові події» реалізується агенцією та ГО Port of Culture в межах програми «ЄС за гендерну рівність: разом проти гендерних стереотипів та гендерно зумовленого насильства» (фаза 2). Проєкт впроваджується спільно зі Структурою ООН Жінки в Україні, UNFPA, Фондом ООН у галузі народонаселення, за фінансування Європейського Союзу.
Black Swan-2
120*120 cm, mixed media on canvas, 2024
🖤🦢
Refers to unpredictable evens, happening in our lives and changing everything (after Taleb). Looking back to my first Black Swan (100*100 cm, 2017), which has found its home in the USA — I will post that work on stories.
Love this calm color gamma, almost monochrome in this case: I’ve painted it only with black and white to let the texture play first. The perfect shade of linen for the canvas i was searching by myself through the textile stores in Kyiv.👌
It was created at my Kyiv studio, still during the war, at the end of summer, in August (which is ‘serpen’ in Ukrainian). The name also alludes to a famous gallery and a serpentarium (from my experience). It is a rather interesting story with the painting’s title because I had no idea how to name it in the beginning. Then I decided to ask for help with my fb profile, and my friends and people there advised me about 20 names. The most widespread was connected with August, and ‘Serpen’ with variations ☺️ Thankful everyone took part in co-creation, especially @sasha.horbatiuk , whose version with ‘Serpentine’ was the best for me! 🙏
Also many thanks to Dave, who gave me his stretchers with unusual sizes, after leaving Ukraine. It is made on it)
PSI was living my best life during those times, enjoying summer and new painting experiences in spite of the danger of missile attacks, which we are mostly used to.
Заняття з основ образотворчого мистецтва для початківців Форма і Колір від художниці Альони Кузнєцової. Окремі заняття з рисунку, кольорознавства і композиції, які будуть складати єдиний курс (20 занять).
Запрошую всіх, хто любить мистецтво, мріяв малювати професійно, хоче правильно почати щоб здобути міцний базис, цікавиться скетчингом, кому потрібні зображувалині навички для суміжної роботи (наприклад дизайн). Курс розрахований на початківців, особливо перші заняття. Я зібрала в ньому краще з основ, щоб зрозуміти принцип і як все працює в побудові зображення і теоріі+практиці з кольором). Форма і Колір – моя авторська школа мистецтва для дорослих, де вас будуть підтримувати і любити.
Програма на 20 занять:
Рисунок (+композиція). Графітні олівці, вугілля, папір.
Заняття 1 (рисунок). Графітний олівець. Лінійний рисунок. Точка, лінія, основна площина. Компонування. Центровані прямі. Поділ відрізка на рівні частини. Лінійний рисунок з кривими. Нажим.
Заняття 3 (рисунок). Тональний рисунок. Лінії побудови. Градація. Штриховка. Світле і темне, краєвий контраст. Штриховка по формі одним тоном. Лінії напруги форми. Менше і більше кола, вписані в квадрат.
Заняття 5 (рисунок). Основи композиції. Рівновага в композиціії. Композиція на ОП (кольоровий папір). Завдання з гармінійної і дисгармонійної компоновки. Композиція і симетрія (розгляд прикладів).
Заняття 7 (рисунок). Грізайль. Об’ємна композиція з натури). Світлота в акварелі. Світло, напівтінь, тінь. Узагальнення.
Заняття 9 (рисунок). Лінійниий і жестовий рисунок. Альтернативні матеріали. Натура. Замальовки з натури м’яким олівцем і вугіллям. Контраст, нюанс, акцент. Розтяжка вугіллям.
Заняття 11 (рисунок). Натура, замальовки. Швидкий натюрморт з натури або з фото на сірому папері м’яким матеріалом. Світлотінь.
Заняття 13 (рисунок). Перспектина. Побудова кубу у просторі, перспектива. Види перспективи.
Заняття 15 (рисунок). Конструктивна побудова з натури. Пласка композиція (з одного елементу) з натури. Лінії напруги, простріли. Вугілля і гумка: жестовий рисунок (натура).
Заняття 17 (рисунок). Вправи на компонування. Рослини з натури (лінійний рисунок, компонування, різні матеріали і техніки). Видошукач
Заняття 19 (рисунок). Компонування об’ємної складної композиції в просторі.
Заняття 2 (живопис). Знайомство з первинними кольорам. Спектр. Палітра. Кожний з основних кольорів в акварелі від темного до світлого. Спектр з 12 окремих частин, рівномірна заливка. Первинні, вторинні і третинні кольори.
Заняття 4 (живопис). Знайомство з основними характеристиками кольору. Характеристики кольору в наочних прикладах. Робота з оснвним прийомом акварелі – розтяжкою (градієнти).
Заняття 6 (живопис). Світлота – важливий аспект живопису. Градація світлоти різних відтінків (заливка площини). Бачення світлоти і вивчення спектральних відтінків. Техніка лесирування.
Заняття 8 (живопис). Інші види спектрів.Кольорове тіло. Спектр з 8 частин. Лесирування компліментарних кольорів. Кольорове коло (спектр): робота по-мокрому.
Заняття 10 (живопис). Робота з плямою: Пляма з м’яким краєм (видохом) і окреслена. Оптичні ілюзії.
Заняття 12 (живопис). Види гармоній. Гармонії на основі Основних характеристик кольору. Копії гармоній, розбір. Принцип цілісності.
Заняття 14 (живопис). Механічне змішування кольорів. Пошук компліментарних точних відтінків, цілісність в обмежений палітрі.
Заняття 16 (живопис). Кольорові гармонії (самостійний пошук).Кольорові гармонії на ваш розсуд. Пошук пропорцій кольору і плями для рівноваги.
Заняття 18 (живопис). Пейзаж по-мокрому. Пейзаж з фото або з натури. Плановість. Теплохолодність, різні гами.
Заняття 20 (живопис).Техніка акварелі ʼОптичне змішуванняʼ. Пуантилізм. Робота з натури (натюрморт).
Курс можна відвідати окремими заняттями, які вам цікаві та будуть корисними, так і повністю, для потужної прокачки навичок та вивчення всього матеріалу.
Курс відбудеться в Києві в студії Рослинка (Гарматна, 1) наживо. Вартість 1 заняття 700 грн. Оплата одразу за 5 занять, зі знижкою, 3250 грн (заняття можна обирати).
Заняття кожної неділі з 13:00 до 15:30. Весь курс складатиме 20 занять (10 — з рисунку і композиції і 10 — з живопису).
Основні Матеріали: графітні олівці, акварель, пензлик, папір. Є детальне відео про необхідні матеріали, яке відправимо вам після реєстрації.
До зустрічі на курсі!
Реєстрація за номером +380632216869 (Telegram, WattsApp), або в особисті повідомлення Аня Рослинка
It was the best art residency in Slovakia for me in the last two years. I went without any expectations, just to relax. By some miracle, I took some materials for work, a sketchbook, and a flute: as they say, non-production, but if I do not make demands, the result is much better, everything happens even more powerfully.
Two weeks flew by imperceptibly: I painted almost all the time between trips to the natural and artistic locations of Žilina. I haven’t enjoyed freedom, summer, landscapes, museums, and new views of familiar things for a long time. Great support for me as a Ukrainian artist from the local art community) Deep communication with art critics, architects, and restorers. Of course, I talked about the war and my life experience in Ukraine over the past three years.
Ukr
Резиденція Диван 2024
Краща мистецька резиденція в Словаччині для мене за останні два роки. Поїхала без будь-яких очікувань, просто відпочити. Якимось чудом взяла трохи матеріалів для роботи, скетчбуки і флейту: як-то кажуть, нон-продакшен, але мені якщо не ставити вимоги, то результат значно кращий, все відбувається ще потужніше.
Два тижні промайнули непомітно: малювала майже весь час між подорожами по природних і мистецьких локаціях Жиліни. Давно не отримувала такого задоволення від свободи, літа, краєвидів, музеїв і нових поглядів на звичні речі. Чудова підтримка мене як українського митця з боку місцевої мистецької спільноти) Глибоке спілкування з мистецтвознавцями, архітекторами, реставраторами. Звісно, розповідала і про війну і про свій досвід життя в Україні за останні три роки..
An excerpt from my new interview to @iryna_belan for @revue_argument#9 about my #flowersorexplosions series and how my art changed with the full-scale invasion of russia to Ukraine.
🌸💥 @iryna_belan: Nowadays it is trendy to talk about storytelling, about creating a narrative in painting. What role do you assign to storytelling in your work? Why, it seems to me, for the first time in your work, did you develop a powerful linguistic component?
💬 @kuznetsova_artist: Thank you that you have noticed that. I remember that in my interview with revue_argument in 2022, I said that I didn’t know what my art would be like after the full-scale invasion, but it would have to change, because everything had changed, including me. I can’t be in my bubble anymore, I feel like a part of Ukraine, my home, culture, and loved ones. And when our antagonists are trying to destroy all of this, I simply cannot ignore it and remain silent. I want to tell the world about it, despite the pain and difficulty of such a narrative. In the spring of 2022, when the Russian attack on us was so unexpected and the situation was critical, I had to act quickly and felt that I could not remain silent: I gave many oral and written interviews to journalists, TV channels, platforms, bloggers and art critics about the events that were happening right next door. I think I’ve learned how to tell stories since then. Art is an even better way, although it is a slower one, to tell the truth to the world and express your position.
And, indeed, in the Flowers or Explosions series, each painting is a special story, because it was created literally in the middle of the war, when everything was very acute, because we all closely followed what was happening in Ukraine every day…”
‼️continue to read in the comments…
‘Pink’s not dead’ (150*100 cm), mixed technique on canvas from Flowers or Explosions show, Kyiv, 2023, @forsagallery
Як замовити роботу художника? Що треба враховувати?
1. Власний стиль художника, чи співпадає ваш запит з його досвідом, напрямком роботи? Мені зараз вже і не пропонують намалювати якісь сімейні портрети/пейзажі, бо знають мою специфіку – робота в кольорі.
2. Розміри вашого замовлення. Якщо вам потрібна габаритна робота, чи є у художника такий простір для її виконання? Найбільше моє замовлення було 320*200 см 😅 Люблю масштаб!
Хоча і тендітні роботи поважаю ) Це можуть бути навіть роботи на папері, принти, тощо.
3. Терміни. Якщо вам треба «на вчора», то ціна буде вищою, бо потрібні додаткові матеріали/засоби для пришвидшення висихання, особливо в холодну пору року, не кажучи про фокус лише на цьому замовленні. Краще закладати 1 місяць на замовлення, щоб дати художнику час: замовити основу, придбати необхідні матеріали, яких не вистачає. Я ціную, коли є час, тоді можна не поспішаючи насолодитись процесом, якщо треба – зробити ескізи, підсушити кожний шар роботи. Відфотографувати роботу після закінчення.
4. Ще раз – досвід і професійність митця, чи здатен він/вона зробити навіть по вашому референсу тру гарну роботу з любовʼю і увагою до деталей?
5. Підпис, авторство. Підписана робота (спереду і з тилу) буде цінуватись у будь-якому випадку вище ніж ноунейм. Особливо, якщо автор підійшов до роботи з референсом зі всією відповідальністю.
6. Доставка, пакування. Художник за замовчуванням покриває фіксативом/лаком завершену роботу і після повного висихання пакує її в плівку. Доставку зазвичай сплачує замовник, бо наприклад до транспортування габаритної роботи потрібно винаймати бус, який коштує десь 25-30€ наразі у Києві.
How to order an artist’s work? What should be considered?
1. The artist’s own style, does your request coincide with his experience, direction of work? Now they don’t even offer me to paint any family portraits/landscapes, because they know my specialty – work in color.
2. Dimensions of your order. If you need a large-scale work, does the artist have the space to do it? The largest I ordered was 320*200 cm 😅 I love the scale!
3. Terms. If you need it “for yesterday”, the price will be higher, because you need additional materials/means to speed up drying, not to mention the focus only on this order. It is better to lay down 1 month for the order to give the artist time: to order the base, to purchase the necessary materials, which are not enough. I appreciate when there is time, then you can take your time and enjoy the process, if necessary – make sketches, dry each layer of work. Take a photo of the work after completion.
4. Once again – the experience and professionalism of the artist, is he/she able to do even according to your reference a good job with love and attention to details?
5. Signature, authorship. A signed work (front and back) will be valued in any case higher than a noname. Especially if the author approached the work with the reference with all responsibility.
6. Delivery, packaging. By default, the artist covers the finished work with a fixative/varnish and, after complete drying, wraps it in film. Delivery is usually paid by the customer, because, for example, you need to rent a bus, which costs around 25-30€ in Kyiv, for the transportation of oversized work.
To the River, to the Forest 🌊🌱 Pop-up charity event 7.04.2024, Kyiv, with the collaboration of @roslynka_anna, within @ukrainian_design_week, and a wonderful piano of @olenahetmanska 🙏🎹 Presentation of my #kuznetsovaceramics Fantastic Mushrooms series 🍄💚 and To the River video, 2023.
Thank you to everyone who was with us, and donated with the registration🫶🇺🇦🫂 You have donated, and we have already sent: UAH 5,349 to the soldiers of the 132nd Infantry Division of the Armed Forces of Ukraine, and UAH 1,340 to the medical crew.
Aльона Кузнєцова — українська професійна міждисциплінарна художниця.
Працює з такими медіа, як живопис, графіка, ленд-арт, відео, керамічна скульптура та інсталяція, але провідним медіа все ж є живопис.
З 2008 року мала 14 персональних виставок, а також брала участь у багатьох групових проектах в Україні і за кордоном (Лондон, Берлін, Дорнбірн, Сеул, Мадрид, Краків, Валенсія, Копенгаген).
Основний фокус її художньої практики — образ у мистецтві, його трансформація, зміни і нашарування з часом, а також циклічний феномен життя та смерті в контексті воєнних подій останніх років в Україні. Художницю також цікавлять питання глядача і свідомості, ідентичтості і соціальних зв’язків, місця і грунту в проєктах останніх років.
На UDІW 2024 представить серію керамічних скульптур Фантастичні гриби (2020-2021).
Друзі, ми розпочали курс Форма і Колір Але ще не пізно доєднатись до занять наживо по суботах або онлайн у записі! Вступне відео до онлайн-формату: https://youtu.be/uKx-Lz2vvRc
Форма і Колір. Авторський курс з рисунку і живопису Альони Кузнєцової (2024)
Для питань і заявок на Форму і Колір пишіть в Телеграм або у WattsApp: +38063 221 68 69
Курс чудово працює саме для починаючих, а також для тих, хто невдло пробував вивчати образотворче мистецтво, і для тих, хто хоче систематизувати і поглибити знання. Він поєднує академічні принципи і альтернативні підходи і методи, включає творчі завдання. Весь курс ПРАКТИЧНИЙ! Теорія – лише доповнення до практики, всі теоріі випробовуємо. Академічний базис в основі, але буде і альтернативні методи навчання художників ХХ ст. Починаємо з площинних моделей і завдань (2d) і в живописі і в рисунку і ускладнюємо пос-ту-по-во! Доповнюю курс різними техніками і матеріалами, як в рисунку так і в живописі на різних етапах, але основними будуть акварель, і графітні олівці, вугілля, папір (в кінці гуаш). Курс розрахований на 15 занять (можливе продовження), рисунок і живопис по черзі, завдання з різних дисциплін пов’язані змістовно одне з одним. Можна придбати і 1-2 пробних заняття.
Програма на 15 занять:
Рисунок (+композиція)
Заняття №1 (рисунок). Графітний олівець. Точка, лінія, основна площина. Компонування ОП. Центровані прямі. Поділ відрізка на рівні частини.
Заняття №3 (рисунок). Основи композиції. Тон. Градація. Штриховка. Світле і темне, краєвий контраст. Композиція на ОП (кольоровий папір). Завдання з гармінійної і дисгармонійної компоновки.
Заняття №5 (рисунок). Штриховка по формі одним тоном. Лінії напруги форми. Композіція: тотальний контроль (розгляд прикладів). Менше і більше кола, вписані в квадрат. Вугілля: жестовий рисунок (натура). Розтяжка вугіллям.
Заняття №7 (рисунок). Замальовки з натури м’яким олівцем. Конструктивна побудова пласкої композиції (з одного елементу) з натури. Пропорції.
Заняття №9 (рисунок). Ще раз про жестовий рисунок. Контраст, нюанс, акцент. Тональний розбір побудованого на Занятті 7 прямокутника в просторі (світло, напівтінь, тінь), штриховка. Швидкий натюрморт з натури або з фото на сірому папері м’яким матеріалом.
Заняття №11 (рисунок). Побудова кубу у просторі, перспектива. Видошукач. Компонування і побудова об’ємної складної композиції.
Заняття №13 (рисунок). Закінчення тонального розбору пласкої композиції. Грізайль (об’ємна композиція з натури).
Живопис (кольорознавство).
Заняття №2 (живопис). Розтяжки кожного з основних кольорів акварелі від темного до світлого. Кольорове коло (спектр): первинні, вторинні і третинні кольори, робота по-мокрому. Спектр з 8 частин. Лесирування компліментарних кольорів.
Заняття №4 (живопис). Основні характеристики кольору. Розтяжки (градієнти). Градація світлоти. Зустріч компліментарних кольорів (нейтралізація насиченості).
Заняття №6 (живопис). Продовження Заняття 4: Градація світлоти різних відтінків (заливка). Пляма: з м’яким краєм (видохом) і окреслені.
Заняття №8 (живопис). Спектр з 12 частин, в якому є всі наші 6 основних кольорів, присажені по зовнішньому краю по насиченості (лесирування чорним). Плями взаємодоповнюючих кольорів (лесирування).
Заняття №10 (живопис). Оптичні ілюзії. Кольорові гармонії на основі Основних характеристик кольору. Дві окремі згармонізовані хоча б по 2-м характеристикам кольору композиції.
Заняття №12 (живопис). Копії заданих відтінків, що формують гармонії. Принцип цілісності. Теорія, аналіз-розбір зразків.
Курс можна придбати в записі з моїм дистанційним супроводом або без.
Вартість курсу – 15 000 грн (з моїм супроводом)
І 10 000 грн (без супроводу).
Можна також придбати одне пробне заняття за 700 грн.
Дистанційний супровід – це перевірка зроблених завдань в телеграм або WattsApp з моїми коментарями вашого виконання, допомагою з питаннями, що виникають. На відео кожного заняття я все максимально детально пояснюю.
Після оплати я надсилаю вам запрошення на відео, і бонус – окреме безкоштовне відео про необхідні матеріали і ви починаєте як тільки будете готові. Доступ до всіх відео – 1 рік!
Як придбати і почати вже зараз?
Для питань і заявок на Форму і Колір
пишіть в Телеграм або у WattsApp: +38063 221 68 69
Трохи про мене
Я Альона Кузнєцова, українська професійна художниця, з 2003 року живу в Києві.
Моя основна задача і ціль – власна мистецька практика, яку я активно веду з 2007 року. З 2007 по 2011 роки (після 10 років академічної освіти) я займалась цілеспрямованим вивченням кольору у альтернативній методиці контемплятивного живопису, що прийшов з Гетеануму (Дорнах, Швейцарія).
Знаючи, наскільки захопливим є навчання, як складно і цікаво освоїти абетку кольору і форми, мені захотілось відновити зараз мої курси у новій якості. Це буде точно якісний час, який надасть нових знань в навичок, допоможе сконцентуватись, а також дасть змогу крок за кроком навчитись основам і принципам роботи в образотворчому мистецтві, не демотивуючись від надто складних і незрозумілих завдань на перших заняттях.
Викладанням я займаюсь також давно, з 2008 року, і пробувала різні підходи, методи і формати. У період 2008-2012 це були в основному разові або декількаразові майстер-класи з кольору і контемплятивного живопису. У 2014-2016 це були вже більш сталі групи з 2-5 людей у моїй студії, а також у різних місцях в Києві, і почала викладати також і малюнок, основи композиції. Тоді я сама багато навчалась далі у сфері мистецтва і напрацювала великий досвід. І останні курси були у 2018-2019 рр з серйозною сталою групою, це були модулі, майже як зараз, лише більш короткострокові. З 2020 року я вже майже не викладала, не рахуючи майстер-класу на фестивалі влітку 2021.. На фб-сторінці я нарахувала 4 закриті групи для моїх студентів різних років, окрім сторінки Форма і Колір.
Чому саме на курс “Форма і Колір” слід звернути увагу тим, хто цікавиться практикою образотворчого мистецтва?
1. Він універсальний. Він підійде тим, хто давно мріє навчитися малювати; дизайнеру, який бажає осягнути основи кольору та форми; архітектору, вмотивованому підвищенням кваліфікації; бажаючому поліпшити та розвинути свій смак за допомогою безпосередньої практики, або просто будь-якій людині, яка зрозуміла необхідність саморозвитку, і навіть тому, хто спробувавши не в кращому місці чи самостійно, демотивувався викладачем чи складністю завдання. Ви побачите, що навчитись малювати – можливо.
2. Тільки в цьому курсі практикується ефективна методика “з нуля”, де студент опановує знання від простого до складного, поступово та осмислено, маючи можливість докласти всіх зусиль для результату, під керівництвом викладача. Кожне завдання – під силу зробити якісно новачкові, винести користь та розуміння помилок. Практика: найпряміший і оптимальний шлях до розуміння.
3. Викладач курсу – Альона Кузнєцова, практикуючий професійний художник та викладач із досвідом, відповідальний за якість інформації. (“Я терплячий викладач і навчатиму вас з любов’ю і увагою. В курсі я постійно показуватиму і пояснюватиму, Як робити, а не тільки Що.”)
4. Знання, які передаються студентам, перевірені на практиці попередніх курсів. Вони мають академічний характер, з тим іноді виходять за рамки класичних постановок, розвивають гнучкість мислення та свободу володіння інструментом. Заняття курсу побудовані таким чином, щоб чергувати навантаження і завдання.
5. Плюс Форми і Кольору – його онлайн формат і гнучкість, що дає можливість поринути в процес досить глибоко, якісно пропрацювавши весь свій шлях від базової пласкої колірної або графічної моделі – до виконання натурної постановки та етюдів аквареллю в різних техніках; від точки та лінії – до об’ємної композиції в тоні.
6. Це не курс “заради галочки” та не арт-терапія. Це ваш індивідуальний освітній проект, прямий шлях до образотворчого мистецтва. Якщо це те, що вам треба, то нам по дорозі!
Для реєстрації і уточнень пишіть в Телеграм/WattsApp: +38063 221 68 69
Всім привіт! Відкриваю набір на курс Форма і Колір з рисунку та живопису для дорослих, Київ, офлайн)
Заняття 2 рази на тиждень, орієнтовно у пт/сб, по 2,5 – 3 години (з перервою на чай). Тривалість 6 міс. Затишне підвальне тепле приміщення 20 м кв зі всім необхідним за 5 хв від цирку (Золотовустівська). Можливо узгодити інші дні тижня та час, якщо більшості буде зручніше. У програмі навчання основ з нуля для дорослих, послідовне, починаючи з дуже простих завдань: спектру, вправ на бачення кольору та техніки, змішування, різну тональність; лінії, тон, пропорції абстрактних фігур, компонування, композиція. Фокус занять – на практиці, теорія йтиме поряд із практикою. Програма розрахована на вдумливу та послідовну роботу. Пройшовши основи, буде можливість перейти на інший рівень, почавши малювати з натури, пласкі та об’ємні фігури, вирішувати композиції у кольорі. Ситемне вивчення основ буде чергуватись з творчими завданнями у другій половині заняття, різними матеріалами і підходами. Робота в невеликій групі від 5 до 10 осіб максимум. Вартість 600-700 грн. в залежності від кількості людей. Оплата наперед за кожний місяць. Матеріали будемо досліджувати з часом різні, але починати з: живопис – акварель, папір, рисунок – графітні олівці, папір.
Більше про мене і мій досвід викладання — в наступному дописі.
There is one thing that strikes the viewer at first about your works available online: their extreme variety, both in their technique and in their motifs. Oil paintings, pastels, acrylics, digital works, mixed media, watercolours, sculptures, installations, … Gentle lyrical abstractions and roadside landscapes as if captured on the spot, reflections on image and communication …
With regard to this extremely prolific and eclectic body of work, how would you define both the singularity of your artistic practice and its red thread?
Through the years of my presence in art, I’m trying to answer this question. You may often hear about the artist’s recognizable style, it’s the common discourse. This question disturbed me and was even painful some years ago because I’m the kind of artist always seeking. But then, in the time of the darkest crisis, I understood one simple thing: I don’t care about this thing much. Art for me is about sincerity first, and it is not something due to someone’s expectations or rules. I don’t want to become a machine, that has found some approach once, and uses it for the rest of his life. Life and the world change so quickly and unexpectedly, that my art just does the same. So, I realized the fact, that CHANGES are the only thing that defines my artistic practice.
Запрошуємо на авторську екскурсію та бесіду з Альоною Кузнєцовою в рамках персональної виставки Квіти чи вибухи в Forsa Gallery. Художниця розповість про ідею проєкту, символіку кожної роботи та її техніку, а також про назви робіт в контексті останніх подій в Україні; в чому зв’язок квітки і вибуху, а також про око спостерігача подій, що присутнє на багатьох роботах. Розглянемо об’єкти з кістками і квітами, що художниця створила спеціально для виставки у партнерстві з Національним науково-природничий музеєм НАН України та Квіткарнею Ю.
Початок о 16:00 30-го вересня
Вхід вільний.
Forsa Gallery
Hyatt Regency Kyiv
-1 поверх
вул. Алли Тарасової 5, м.Київ
Галерея працює вівт-сб 11-19
Виставка до 7 жовтня
We invite you to an artist talk and conversation with Alena Kuznetsova as part of the personal exhibition Flowers or Explosions at Forsa Gallery. The artist will talk about the idea of the project, the symbolism of each work and its technique, as well as the titles of the works in the context of recent events in Ukraine; what is the connection between the flower and the explosion, as well as about the eye of the observer of events, which is present in many works. Let’s consider the objects with bones and flowers that the artist created purposely for the exhibition in partnership with the National Natural Science Museum of the National Academy of Sciences of Ukraine and Kvitkarna Yu.
“Flowers or Exposions” – an exhibition of new works by Alena Kuznetsova is now on view at Forsa Gallery, Kyiv
till October 7, 2023.
Join us at 4:00 pm on September 30 for an artist talk by @Alena Kuznetsova.
Друзі, пишу українською цей пост на честь другої великої бавовни – і відкриваю знову акцію з принтами на футболках) Часи змінились, і зараз я вирішила зробити нову серію – Квіти чи вибухи також і на одязі. Фрагменти нових картин, білі і чорні футболки, чоловічі і жіночі моделі. Вартість 1000 грн. Отримання – за 1-2 тижні, як назбираю достатньо і надрукую, потім можу відправити НП, або зустрінемость особисто)
Пишіть в коментарях для замовлення: номер малюнку (і відповідно буде колір футболки, бо темне краще виглядає на чорному, а світле – на білому), чол чи жін модель, і розмір.
1 червня o 18:00 запрошуємо до Центру сучасного мистецтва М17 на відкриття другої з трьох локацій проєкту «Концентрація волі» в рамках XV платформи культурних ініціатив «Новітні спрямування».
Демонстрація проєкту послідовно проходить у просторах трьох інституцій організаторів проєкту. Першою локацією став виставковий простір Інституту проблем сучасного мистецтва, наразі готується відкриття у Центрі сучасного мистецтва М17, а згодом проєкт продовжиться в Національній академії мистецтв України.
Роботи сучасних українських та міжнародних митців в рамках проєкту розкривають українську візію волі, яка допомагає сьогодні українському народові акумулювати свої сили для переможної боротьби проти російської агресії.
Переглянути повну концепцію проєкту www.m17.kiev.ua/exhibition/kontsentratsiya-voli/
Виставкова частина «Концентрації волі» у ЦСМ М17 включає роботи наступних митців: Єва Андронікіду, Макс Вітик, Софія Голубева, Сергій Гулєвич, Людмила Давиденко, Ангеліна Дацюк, Дмитро Доценко, Дмитро Ерліх, Сергій Западня, Микита Зігура, Олексій Іванюк, Альона Кузнєцова, Костянтин Лапушен, Катерина Лісова, Антон Логов, Богдан Локатир і Маргарита Журунова, Максим Мазур, Маріанна Маслова, Наталія Охман, Євген Павлов, Анастасія Подерв’янська, Сергій Попов, Михайло Рай, Людмила Раштанова та Едуард Потапенков і Сергій Корнієвський, Владислав Рябоштан, Віктор Сидоренко, Роман Синенко, Тіберій Сільваши, Вячеслав Страннік, Василь Татарський, Микита Тітов, Олеся Трофименко, Микита Цой, Олександр Чекменьов, Оксана Чепелик, Олексій Чистотін, Саша Чичкан, Марія Шевченко, Захар Шевчук, Юлія Шибіркіна, Владислав Юдін, Альбіна Ялоза.
Організаторами виставки виступили Національна академія мистецтв України, Інститут проблем сучасного мистецтва та Центр сучасного мистецтва M17.
Куратори: Андрій Сидоренко, Ірина Яцик.
Керівники проєкту від інституцій:
Андрій Пучков (НАМУ), Ігор Абрамович (ІПСМ), Наталія Шпитковська (ЦСМ M17).
Проєкт відбувається за підтримки Art Support Fund, Natalia Shpytkovska Art Advisory, Front-Art, Utico, Ulma.
Медіапартнери: Антиквар, МІТЄЦ, Арт Курсив.
The new Brussels Gallery Portraits International marks one year of the war against Ukraine with a fund-raising exhibition of 12 Ukrainian artists showing original works and art prints. The exhibition curated by Claire Soper is organized in collaboration with Tsekh Gallery in Kyiv, the James Butterwick Gallery in London, and with the help of Art Dealer, Katia Vozianova and journalist/contemporary art researcher Iryna Belan.
15% of sales of all artworks will be donated to UNHCR humanitarian relief actions and the Takshtab Charity, directly supporting displaced mothers and children under 3 in Ukraine.
Portraits of European Commission President Ursula von der Leyen and Ukrainian President Volodymyr Zelenskyy will be displayed in the gallery and auctioned online worldwide during the six-week exhibition. 100% of the auction proceeds will be donated equally to good causes. Portraits were newly made by this year’s gallery exhibitors Dutch painter Toon Teeken, Belgian Chilian artist Carlos Becerra and by other volunteers.
Portraits International is a new art gallery, bookstore, and academy, dedicated to the world of portraiture. Next to art, the gallery will offer biographies, lectures, courses, competitions, and team-building exercises in multiple languages, linked to the themes of the exhibitions. Portraitists, writers, and filmmakers can use the new gallery to find clients worldwide interested in commissioning a quality portrait or biography.
Claire Soper (EN/FR), claire@portraits.international
+32 472 70 85 13
Peter van der Hijden (EN/FR/NL/DE) peter@portraits.international
+32 483 12 90 19
Website: www.portraits.international
Address: 2 Galerie des Princes 2 / 16-18 Rue des Dominicains, 1000 Brussels
The long journey of these paintings was probably destined for them by fate: this exhibition includes 7 of my works from two series about the road – Broad Perspective and Kill bill. The history of both series began somewhere at the same time back in 2013 (!) both during the long car trip. Now it took almost a year, a big hook through Copenhagen, and getting to know a few more wonderful people, so that the works finally got to the Portraits International gallery for the Ukrainian 12 group exhibition, together with the graphics of Oleksandr Bogomazov (!) from gallery partner James Butterwick. It is also symbolic that in 2022-2023, all physical movements from Ukraine to the West also became much longer because of the war, even more time and reason for deep immersion, the landscape outside the window relentlessly reminds me of my Stripes and Kill bill (I realized this back in the fall), not only from the window of a car, and now also a bus, and a train, and an airplane, because I continue to document the material for further works.
Експозиція | Exposition
Роботи | Artworks
Широка перспектива | Broad perspective series
Stripe #10 (92*136 cm, oil on canvas, diptych, 2021) | View info
Stripe #9 (75*130 cm, oil on canvas, 2021) | View info
Stripe #3 (70*90 cm, oil on canvas, 2021) | View info
Time – Place (100*130 cm, oil on canvas, 2021) | View info
Kill Bill
Kill Bill #4 (100*200 cm, oil on canvas) | View info
Kill Bill #3 (100*200 cm, oil on canvas) | View info
Kill Bill #6 (100*200 cm, oil on canvas) | View info
«Ні, я хочу крізь сльози сміятись,
Серед лиха співати пісні,
Без надії таки сподіватись,
Жити хочу!»
Музейно-виставковий центр Музею історії міста Києва презентує масштабний життєствердний мистецький проєкт сучасного живопису і скульптури «Пробудження».
Пробуджуючись від сну, після зими чи важкого емоційно періоду, ми відроджуємо у собі жагу до життя та сподівання на краще. Цим проєктом кураторка виставки та митці прагнуть надихнути, тамувати голод до позитивних вражень та емоцій, дарувати радість і надію. За допомогою фарб, кераміки, дерева, сучасні українські митці демонструють світлу сторону життя, його сенс, необхідність радіти простим та часто непомітним речам – запаху першої трави, квітці, яка розцвіла після морозної зими, привітному погляді перехожого чи обіймам коханих і близьких. Усе це вчергове повертає до класичних рядків Лесі Українки й утверджує нас також у вірі в Перемогу та волі її здобути.
«Найтемніша та найдовша ніч скоро буде позаду, а попереду на нас чекає яскравий світанок! І за це ми не втомлюємось дякувати Збройним силам України, які боронять нашу державу, домівки та людей. Навесні, коли як ніколи хочеться дихати на повні груди і вірити у краще, попри усі труднощі Музей історії міста Києва реалізує масштабний виставковий проєкт. Переконана, що виставка “Пробудження” стане острівцем спокою та гармонії, місцем надії, де у кожному пробудиться бажання жити та творити», — зауважує генеральна директорка Музею, Діана Попова.
На виставці буде представлено близько 50 картин і скульптур від 20 митців, де кожен твір унікальним чином відтворює ідею «Пробудження», підтримує поетичні рядки, які стали епіграфом до виставки та налаштовує — «Геть, думи сумні!».
«Я вважаю, що митець повинен показувати глядачу, який чарівний та різноманітний у нас світ без війни. Демонструвати красу, силу та неповторність нашої Землі і людей. Україна – різноманітна та унікальна країна, у нас є все: і море, і гори, і степи, і ліси… І зараз нам надважливо захистити і країну, і нашу націю. Незабаром наступить те відродження, якого ми так чекаємо. І кожен, як вміє і може, має наблизити цей момент — момент Перемоги», — зазначає українська художниця Христина Гайдамака, авторка картини «Відродження» та триптиху «Острови», представлених на виставці.
У проєкті взяли участь сучасні українські художники: Інна Пантелемонова, Павло Македонський, Наталія Петренко-Литвинова, Ігор Прокоф’єв, Ед Потапенков, Анатолій Варваров, Дмитро Зазимко, Володимир Колесников, Христина Гайдамака, Яна Глазунова, Олексій Глазунов, Лідія Селянко, Олексій Іванюк, Альона Кузнєцова, Альона Бу Шдид, Тетяна Шимко, Олександр Ляпін, Анастасія Осмоловська, Маріан Лунів, Тетяна Русецька, Анастасія Подерв’янська, Володимир Хижинський, Євген Клименко та Олеся Дворак-Галік.
Кураторка виставки: Варвара Сухенко
Виставка триватиме з 3 березня до 2 квітня
Графік роботи експозиції згідно графіку роботи музею:
Ср.-Нд.: 12:00-19:00, Пн-Вт.: вихідні
Каса працює з 12:00 до 18:30
Вартість вхідного квитка: 100/80 ₴
На виставці “From Ukraine with love”, що відбувається зараз в Копенгагені, представлені роботи дев’яти українських художників, які продовжують творити в такі складні для нашої країни часи. Буду знайомити вас з учасниками експозиції. Альона Кузнєцова – талановита мисткиня з Києва. Ми говорили з нею про творчість під час глобальної кризи та ресурси, що підтримують сили та надихають рухатися вперед.
The @revue_argument magazine ❤️
The issue about Ukrainian artists!
The interview with me by Morgane Walter, about my art practice during the war.
Three different series were published: Ballet Mechanique (abstract, 2018-2019), Gamma (abstract, 2020), and Broad perspective (figurative, 2021).
Very thankful to everyone involved 🙏💛💙
After some months of planning together with Julia Dmukh and the generous support of the Embassy of Ukraine, we are so pleased to welcome you to a fundraising event for the people of Ukraine at the gorgeous Gallerie Lorien. There will be paintings, ceramics, posters – all of the works are by Ukrainian artists, some living in Denmark and some in Ukraine and abroad. All transactions will go via the Denmark based charitable foundation, Bevar Ukraine.
There will be some light snacks, beers and soft drinks and the evening will look like this:
17.00 Arrive & view the art
17.30 Welcome to Gallerie Lorien by Tina Lorien
17:40 Introduction to the exhibition & IMMART by Julia Dmukh & Nicol Savinetti
17:50 Introduction to Bevar Ukraine
18:00 Mingle & buy art
20:00 Thank you & goodbyes
27-го жовтня в київській галереї Лавра відкривається масштабний мистецький проєкт, присвячений 300-річчю з дня народження видатного українського філософа Григорія Сковороди.
Проєкт об’єднає декілька окремих експозицій, творчість відомих сучасних українських митців і роботи молодих художників.
Проєкт є певним дослідженням феномену мандрівного філософа, часів Українського бароко, який зумів побудувати всеосяжні, новаторські космічні філософські ідеї на основі ментальності свого народу. Разом з тим, за допомогою актуальних візій, ми намагаємося дослідити, що ж є українською ментальністю, як проявляється вона не тільки у філософії одного з найвідоміших філософів світу, а й в українському мистецтві, у творчості сучасних художників, у кожному з нас сьогодні.
Природа видима й невидима; макро і мікро космос – філософські основи бароковї метафізичної поетичної збірки Григорія Сковороди «Сад божествених пісень». «Сад божествених пісень» – назва першої експозиції проєкту. Це візуалізація поезії та філософії Сковороди відомими українськими живописцями та скульпторами. Всесвіт, людина, душа, як триєдинство буття, як основа національного культурного коду, розкривається крізь знакові роботи метрів українського сучасного мистецтва – Анатолія Криволапа, Арсена Савадова, Віктора Сидоренка, Миколи Кривенка, Назара Білика, Олега Тістола, Олександра Клименка, Олександра Сухоліта, Петра Бевзи, Тіберія Сільваши.
“Облиш забобони, обмий совість, а потім одежу, залиш усі свої хиби і підіймайся!” – цитата народного філософа, яка стала певним гаслом буремного сьогодення. Вона стала основою другої експозиції проєкту, під назвою «…І підіймайся!».
Війна… зруйнований музей… понівечений пам’ятник, як сотні понівечених доль… І раптом, крізь дими згарищ, які заповнювали стрічку фейсбуку, лунка, немов з небес, цитата Григорія Сковороди: “Облиш забобони, обмий совість, а потім одежу, залиш усі свої хиби і підіймайся!”. Як вчасно, як впевнено, як гідно! Повезло нації, що має такого філософа, який точно знає, які слова потрібні його народу – народу, що твердо стоїть на землі і замріяно дивиться в зоряне небо. Так було, так є, навіть зараз, і так буде завжди.
Бо українська ментальність – це мужність духу і мудрість думок, це єдність душі і тіла, високого і земного, це всесвіт в тобі і ти у всесвіті, це натхнення праці. Це світла мрія, яку пробуджують промені досвітніх вогнів і вона, розправляючи крила, вільним птахом злітає далеко, аж до нашого Чумацького шляху, яким йде мандруючий філософ Григорій Сковорода. І поки мерехтить над нами Чумацький шлях, наша путь не закінчиться і завжди буде зоряною!
Ми впевнені, що такі своєчасні слова нашого філософа надихнуть художників на нові твори і стануть поштовхом для відновлення творчості, для відновлення душі. Тож підіймайся! Відновлюйся! Твори!
Au jour de l’indépendance de l’Ukraine “Argument” avec l’artiste Alena Kuznetsova et d’autres artistes ukrainiens, tel que “Interesni Kazki” et Ivan Marchuk.
‘Art through War’ Exhibition of contemporary art and charity auction at Urban Space 500 from 12 till 28 of August (Kyiv, Ukraine) with “Flowers or Explosions II (70*50 cm, 2022)
Today is my last day at Ukrainian non-production residency in Vyzhnitsa (south-western Ukraine), organized by @cultural_traffic 💛💙
This is the first residency with six more artists where I actually can do nothing, just go deep into the local Bukovina culture and enjoy thinking, walking around the beautiful nature, reading, and sharing thoughts with others. I had much time during these two weeks to think about my topic – Heterotopia, after Michel Foucault, about ‘the other place’. Vyzhnitsa and this residency are perfect places to get a little rest from the sirens, the big city, and the war.
Because of this opportunity, I had the occasion to do a very tiny artwork To scatter stones.
There is a river Cheremosh and I just love the huge field of stones on its banks. I just remembered how I drew on the stones in Crimea which is now occupied by russia, on the seashore in 2011 and 2012. Here, the landscape much reminded me of that and I just painted short quotes and drawings, I was thinking about. Red, black and white.
The war has taken this spring from all the Ukrainians. We haven’t felt it, haven’t enjoy and we’re not celebrating the birth of new life, the first flowers, and getting warmer weather. It was total stress and sorrow and much much work.
Only when the summer came, and I saw my fav peonies blossom, I felt myself like being alive again and wanted to create large artworks between the feeling of life and death. I was enjoying my fav flowers and the idea of the flower formally, as a sign, reminds me of explosions, which I was very close to at the end of February. From one point to the periphery, like the extension. These explosions are still happening in the east and south of Ukraine, we are still fighting and defending ourselves from the Russian invaders. Flowers continue to blossom in spite of everything.
I am so impressed by this show The Art of Resistance at the @expos_artgemesi !
The photo with Sasha’s portrait is just a small part of the exhibition, which actually covers two floors of a very beautiful modern space with works by about 50 Ukrainian artists (special thanks and super respect to curators @pechenman and @y.stepanok, who did enormously great job and wrote ALL the names of the participants in Facebook event! ).
And I was personally very impressed to see this painting, printed for an exhibition probably 1-in-1 (yes, the original is still in Kyiv, but soon hope it will reach Western Europe). I was waiting for only small posters of the beginning of the war among my works there. @sasha.horbatiuk joked he has a feeling like he is in Valencia)
You are very welcome if nearby!
24.05 – 5.06
Free entrance
Opening hours 6-9 pm and from 11 am to 2 pm on Sundays.
“Man and animal differ in history, and memory, both on a personal and social level.
Our relationships are also our stories, shared with others.
Our values are the stories that motivate us to action. Our culture is our collective history. The stories we tell ourselves can destroy us, and they can heal us.
There is no life without our body, but our stories created in the body live longer than corporeality. We remember people longer than their bodies live, and our traditions live longer than our buildings. Even if we don’t influence the passage of time, we do influence exactly how we use it and what stories we leave behind.
You can buy original paintings that are available on the main page of my website alenakuznetsova.com DM via Instagram, What’s up, or email, and I provide you with all detail about payment and shipping to your country via Ukrposhta (Ukrainian Post Service).
Saatchi prints and delivers posters on their own, checking the quality. I receive half of the price you pay in 30 days (excluding % of platform and delivery expenses). The other way is to order a digital file in good quality from me directly and to print it yourself in your city. You just need to write me, say what print do you want, and send money via PayPal (info@alenakuznetsova.com). In this case, any print will be $30.
You can find prices right under each artwork. All these graphics are original artworks on paper. With or without framing.
It won’t be quick, I think about a month, but rather cheap and I know it works right now. Please write me in DM or by email to book/order the piece you’ve chosen and send money via PayPal (info@alenakuznetsova.com). It works without any commission now! First I shall gather some orders, then I’ll go to Kyiv (cause all my works are there) and send the pieces you’ve chosen asap.
What exactly interests me about mushrooms is that this is the most mysterious, the most ancient of all living things, and perhaps the least studied kingdom, endowed with its own intelligence.
They (mycelium, fungi) are everywhere and much closer in the genome to humans than to plants! This is a web that connects different organisms and transmits information, in fact, they are the prototype of the Internet.
These are saprophytes that at the end of the food chain break down matter, turning it into a nutrient soil for further life, and, therefore, they are at the beginning of the chain at the same time! They teach us not to be afraid of death because it is an integral part of the program. There is a theory that it was psilocybin that contributed to the fact that primitive people began to realize themselves, found a language and a tool of labor …
My passion for this kingdom is multifaceted. As an artist, I am interested in the diversity of the external form of fruiting bodies, and as a person, I am interested in the use in medicine, biodesign, construction, and even robotics. Somehow I feel like we can learn a lot from these often inconspicuous and humble creatures.
Photo by @andriikuzminph
My Grail sculpture (ceramics, glaze) and painting from the new Stripes-10 series (diptych, oil on canvas).
In advertisement design for cars is on the top all the time, the truth is that art has also been important to it. Sometimes it has objective representations, like on a new logotype or color, but there are also several other cases where it takes an abstract, almost transcendental way.
In short, a car which appearance was changed in a way to suit the artist’s own aesthetic, desires, and personality. As mentioned earlier, this situation poses a notable contrast because cars are frequently associated with design; everything in them is planned and executed to serve commercial purposes, even its visual identity and style-related parts.
Cars have become a big part of our lives; we interact with them every day and many decisions are influenced by them regardless of whether we actually own one. Art is an invaluable form of self-expression, so it was just a matter of time for people to start applying it to cars.
Art cars made by well known artists of other types, people who became famous artists because of art cars, and countless amators who have made their own art cars as well. People who engage in this type of creation are often referred to as car artists or, more informally, cartists.
As you can imagine, people have used a wide number of themes to make their art cars. Some represent the artist’s culture, others send a message regarding the current social context, and others simply materialize their author’s point of view.
Art cars prove that even such rational and precise products can be enhanced by the sensitivity and the power of self-expression.
Visiting Prada foundation several years ago we saw the floor with Walter De Maria’s artwork with cars and his well known minimalist iron bars (triangle, circle, square).
He has connected own minimalistic stainless steel sculptures with famous model of Chevrolet Bel Air two-tone hardtop classic cars.
Trilogies—installations that explore the conceptual, the monumental, the minimal, and the real − expresses some of the defining features of Walter De Maria’s work.
Первый мой прямой эфир или, как завещал Энди Уорхол, 15 минут славы
На самом деле все прошло очень легко и спонтанно, вопросов наперёд я не знала и веселилась как могла, ведь это же развлекательный канал и контент)
Не то что бы это какой-нибудь big deal для меня, а новый интересный опыт. Засветиться на канале никогда не мечтала, и с тем тут так совпало, что меня пригласили, ещё и с картинами, так что отказываться было бы глупо. Благодарна за приглашение
Сама телевизор не смотрю уже 15 лет, мне больше по душе ‘буддийское телевидение’ (абстрактная живопись) – на неё могу смотреть часами и годами))
К тому же сейчас же все есть в ютубе, это почти как вести свой канал, я уже натренировалась и не волновалась от слова совсем. Это же игра, и главное – удовольствие)
И ведущие мне понравились, очень милые ребята, к тому же живые, мы ещё классно пообщались и посмеялись после эфира
Кстати, как раз собираюсь записать новое видео для своего ютуб-канала, который я что-то подзабросила, на тему всяких важных софт скиллс которые мне важны с примерами того, в чем ещё наши старания (кроме создания искусства) заключаются и почему с нами легко и приятно работать любому покупателю
The anti-painting of Joan Miró is not an actual technique as it is more of a statement. He didn’t mean to violate or to deconstruct the norms and traditions of painting, but rather to remove all sacred qualities and status of the artistic work. It began with his claim:
“I want to assassinate painting.”
Miró tortured the canvas with unconventional methods: he burnt it, wounded it and perforated it in order to create a grotesque disfigurement.
By challenging the very notion of painting, Miró questioned its economic value and the interests of the art market. Thus, he used art to join the growing struggle for freedom that emerged towards the end of the Franco dictatorship.
With his statement “I want to murder painting”, Joan Miró was part of the avant-garde discourse questioning artistic practice in order to go beyond the limits of creativity. The Miró works from this era suggest a breaking away, through the contamination of painting itself using anti-artistic elements such as industrial materials and others from the recently born mass-culture.
A monochrome or monochromatic painting is one created using only one color or hue. It can use different shades of one color but by definition should contain only one base color. For more than a hundred years artists have used a single color as a vehicle for exploring both the potential and limitations of painting, using this reductive formula to experiment with formal concerns of composition and tonality or to advance theories related to nature, the sublime, and analogous spiritual concerns. Rendered with geometric precision or with the nuance of expressive brushstrokes, the monochrome is an enduring idiom of avant-garde modernism.
Even long before these 20th Century philosophical ponderings, color in art has had a long, multicultural history of representation and symbolism. Purple has represented royalty, wealth, and power across civilizations due to the historic difficulty in acquiring its pure pigment; Red represents luck in China, but also its bright, destructive relationship to fire has lent its meaning to various depictions of hell; Blue, often a calming and natural color seen in the sea and sky, also carries with it connotations of despair, depression and the cold.
“The chief function of color should be to serve expression as well as possible. I put down my tones without a preconceived plan. If at first, and perhaps without my having been conscious of it, one tone has particularly seduced or caught me.”
Location: EMST Museum of contemporary art (Athens, Greece)
‘Production’ is a word with many meanings. It can refer to the making of something, or to a final product like a performance. It can be the process of bringing a song or musical work to life. Or honing that work to perfection. ‘Production’ might conjure images of factory production lines or the theories of Karl Marx. Production is labour, capital, and the invisible groundwork of modern society. And it can be as simple as making a clay pot with your hands. Production is at once mechanical and biological – think of ‘reproduction’ – and ultimately human.
Production is at the heart of making art. Artists and theorists have long acknowledged its importance as both an artistic action and an idea to be explored. And as the role of production has shifted in our lives, so have the ways which artists have responded to it. While some contemporary artists foreground production as a tool, others use their work to explore ideas around production we might otherwise overlook.
Painters and sculptors of the 1960s sought a more mechanized “look” for their art. The changes reflected in the art have their source in a deeper shift – a shift at the level of production, expressed in new studio practices as well as in the space of the artworks themselves.
In the period immediately before, during, and after World War II, the dominant peack of the artist’s career was genius, been alone in studio, witness of creation of own art. Since 1960s, against of heroic modernism, engaged in a different rhetoric and practice, one based on the models of industry and business. The studio of Andy Warhol, named the “Factory,” is viewed as great change, with its rudimentary assembly line and highly social mode of production.
Warhol’s Factory became “place of knowledge” – the space with Warhol’s paintings and objects, and the new social space in which they signify. The context for that signification thus becomes crucial to our understanding of the “Warhol phenomenon” celebrated in popular and arthistorical texts. The ambivalencies embedded in Warhol’s Factory, where the artist’s role oscillated between manager and proletarian worker, are seen as a function of their context. Conflicting signals are also broadcast by the works of art, which speak in the dialect of mass production with the accent of the irreplaceably unique.
Photo from solo show by Andy Warhol at Caixa Forum, Barcelona, Spain
Art and nature have always found ways to intersect with one another, the latter being a huge source of inspiration for artists. Found across many forms: rural and historical for the Classicists, grandiose and wild for the Romantics, or sensitive and poetic for the Impressionists. But it was only much later that the artist became aware of the environment’s fragility.
Art subsequently became the preferred medium to express this. Nature began to be depicted beyond pure aestheticism, as art and nature found themselves at the heart of this political battle. In fact, nature’s deterioration has profoundly changed the relationship between artists and the landscape.
Today, environmental approaches towards art and nature are very varied. From raising awareness to militant action, representations of ecological issues are everywhere in art fairs and exhibitions. Through their work, artists try to raise public awareness in order to create a better world, placing humanity in harmony with the environment.
With Friedensreich Hundertwasser’s painting at his named museum in Lindau, Bavaria, Germany
The problem isn’t just that nobody can agree on what contemporary art is; it’s that nobody knows when the contemporary era begins.
Mark Rothko said that Rembrandt was the first contemporary artist. It Is far isn’t it? Some curators see a likely candidate in 1989: the year of the Berlin Wall’s fall. Other influential figures have offered different start dates, ranging from the early 1970s to 1945 to the 1910s. Search the prevalence of the phrase “contemporary art” in print between the early 19th and 21st centuries on Google Books, and you’ll find that the term was virtually unused for 120 years. There is no precise date in history when the contemporary era begins, any more than there is a precise answer to the question “What is the sound of one hand clapping?” But the temptation to find that date seems to be all but irresistible for art historians: By the time they get around to figuring out what the contemporary era is, it will be contemporary no longer. A quote by a great novelist (who may or may not be contemporary) comes to mind: “If they can get you asking the wrong questions, they don’t have to worry about answers.”
In years of my artist practice i feel the empatic concentrating on the concrete experience working on with colour and minimal art has some answers for the questions in its specific context. Its rejected the metaphusis of art and thus no changed the role of beholder, who was no longer required, in an act of silent contemplation, to reflect on the unchanging significance of the work of art hanging or standing in front of him, but rather to actively percive the work which was sharing his space, to reflect on the process of his perception, thereby changing it with signoficance.
– Art is what we do. Culture is what is done to us ( Carl Andre)
Тема этого выпуска: Подводные камни, сложности и обратная сторона профессии. То, что вам не покажут в красивом Инстаграмм. Критика, игнорирование, обратная связь, материальная сторона. Как себя поддерживать и оставаться мотивированным долго.
Ко мне обратилась знакомая кураторка и сказала, что есть запрос на 10 картин в строящийся бизнес-центр. Владельцы бизнес-центра имели продвинутое видение и хотели на стены хороших художников из галереи. Мне предложили сделать работы в своём стиле (на другое я не соглашаюсь), ограничения только по сжатым срокам и по точным размерам работ. Ещё был нюанс в том, что на объекте есть архитектор и с ним нужно все согласовать и встретиться пару раз. Обычно, я не выезжаю на объект без предоплаты. Здесь же знакомая галерея была связующим звеном (гарантией успеха), и был смысл соглашаться. На стройке на первой встрече мы посмотрели пространство и я поняла от чего отталкиваться, выслушав пожелания архитектора. Единственное, что я испугалась браться делать аж 10 больших картин за менее двух месяцев до дедлайна, который озвучивался очень строго). Как потом выяснилось – зря, дедлайны больших строек часто сдвигаются по несколько раз. Мы сошлись на 6-ти работах. На второй встрече мы согласовали эскизы (я предложила 2-3 варианта) и размер холстов. Я приступила к работе в летней мастерской в Белогородке, распечатав эскизы. Идея состояла в том, чтобы сделать «Спектр»: растянуть цветовой круг, как карту мира, начав с красного цвета и закончив розовым, как бы замыкая круг, с плавными космическими переходами в моей смешанной технике, с красивой фактурой. Работы я закончила в срок, они даже успели идеально высохнуть, а вот дедлайн на стройке сдвинулся больше, чем на месяц, так что и 10 картин я бы успела.
Картины в итоге очень круто туда зашли, и мне даже прислали классные фото с объекта, что очень приятно!
Пишу цей пост українською, тому що тут, в селі Травневе, – найкраще місце, час і оточення для того, щоб її практикувати. На сьогодні я тут рівно 1 тиждень і роблю невеличкий проект з 4 керамічних скульптур Magic fungi, що продовжує моє захоплення фантастичними грибами і ідею серії таких скульптур. Тим більш, вона чудово вписалась в концепт всієї програми «Нова людська природа».
Тут, окрім мене, ще всього 2 художниці (що пройшли програмний відбір), і ще одна запрошена як і я приіїхати на довільний час, і наша кураторка. У мене якраз співпав час і бажання використати цю можливість на максимум можливого.
Місце тут дійсно чарівне, грибів є різних, сприяє заглибленню і отриманню насолоди від процесу і зовсім не переймання щодо результату (але будут виставка в Збаражі і презентація в Тернополі, все в цю середу).
Мне написала Юлия на почту, что она увидела у меня в сети картину Черный лебедь (ее подруга была на моей выставке, но не той, на которой была эта картина, а совсем другой), и спросила наличие и стоимость. А ещё – возможно ли отправить картину в Пенсильванию. На тот момент в Штаты мы еще ничего не отправляли, но верили в успех)) Я ответила, что работа есть и все возможно. Сначала мы позвонили в EMS и думали отправить через них. Это самый бюджетный вариант, который я посчитала в полной итоговой стоимости за работу, но позже выяснилось, что, учитывая коробку из фанеры, она чуточку не проходит по габаритам – буквально на пару см суммарный объем превышает допустимый. Это единственное “но” насчет этой службы доставки. Оперативно пройдясь по вариантам, остановились на UPS, которые дороже, чем EMS раз кажется в 5, и это пришлось оплатить уже нам самим. Хорошо, что в Штаты нет пошлины на ввоз товара, и мороки с документами было мало. Мы только заказали и забрали документы на вывоз в Департаменте культуры и (как упомянула ранее) заказали фанерный короб на петлях и защелках для таможни. На все это ушло менее недели. UPS работают быстро, авиаперевозками, и с момента отправки до момента получения по адресу в Пенсильванию прошло 3 дня. Картина прилетела целая, а Юлия даже выслала нам фото, как они повесили ее в доме.
Про отправку работ за рубеж у меня есть отдельное видео на YouTube в рубрике #бытьхудожником (на сегодня некоторые аспекты отправки уже немного изменились в лучшую сторону, об этом буду писать в следующих историях).
«Черный лебедь» названа в честь книги Нассима Талеба, про которую наверное не я одна вспоминала весь 2020-й…)
Сегодня хотелось сконцентрироваться на чем-нибудь приятном. На золоте, например)) И! Я наконец первый раз после апрельского локдауна и долгого путешествия и акклиматизации выбралась в город по-настоящему, во имя цели – сфотографировать свои “Изморозь 1,2”, которые во время нашего отсутствия обрели свою обитель в БЦ Платформа (Короленковская 3)
Сначала отвезли вещи в Ласку, встретили кучу знакомых художников, успели сфотографироваться на пленку прям на Богдана Хмельницкого, потом оказалось, что нам нужна другая платформа (не в Леонардо), приехали, а там нас охранник пустил на парковку этой Платформы по ошибке, перепутав номера, но выгонять уже не стал. На ресепшене оказалась снова заминка: к золоту путь нелегкий! После фотосессии мы хотели ехать в зал лазать с веревкой, но Гиперион уже отпал по маршруту, потом мы решили ехать в Цех (другой зал), долго стояли к нему в пробке и в конце-концов так и не попали туда тоже, потому что прямо перед ним перекрыли дорогу))) Короче, здравствуй, коридор затмений Все несется, Киев, я скучала!
Кому нужны еще картины – мы на месте
Да, и Платформу затегать тут не могу, есть все, какие угодно другие Платформы, кроме нее Там красиво)
Паморозь | Hoarfrost | (diptych, 160*90 cm each one) | View info
Паморозь | Hoarfrost | (diptych, 160*90 cm each one) | View info
Паморозь | Hoarfrost | (diptych, 160*90 cm each one) | View info
Паморозь | Hoarfrost | (diptych, 160*90 cm each one) | View info
Открытие. Не все люди не из сферы искусства знают, что выставка в галерее зачастую делается с целью продажи работ, если это конечно не особый проект, ретроспектива (что в галереях на самом деле редкость). Так что на выставках можно смело интересоваться ценой у менеджера, если нет открытого прайса.
Заблуждение. Среди моих знакомых художников есть такое заблуждение, что нет смысла делать выставки в галереях, потому что галереи «не продают работы, и хотят за выставку картину, а ещё и % с продажи».
Хочу рассказать про позитивный опыт работы с одной киевской галереей в центре, которая продала две мои работы прямо с выставки: две в её разгаре, а ещё одну спустя полгода. Все остались довольны) Конечно, в работе с галереями много нюансов и иногда игра не стоит свеч. И все же продажа работы с выставки повышает шансы на ваше совместное сотрудничество и расширяет для всех мир возможностей. Художнику тут главное не совершить ошибку и не пойти на сделку в обход галереи, а перенаправить покупателя к куратору/галеристу, даже если покупатель изначально написал лично художнику (во время выставки). Чтоб не было такого соблазна, нужно просто иметь всегда fixed price на работы, а % для галереи не накручивать, а уступать от фиксированной цены. Таким образом не будет повода для нечестности; покупатель будет счастлив, потому что купить работу в галерее престижнее и это вклад в культурную индустрию, художник будет рад продаже и освобождению от организационных хлопот, галерист будет рад, что сделал правильный выбор художника, будет хотеть с ним работать дальше и пойдёт навстречу разными способами.
У меня был такой случай: как раз во время моей персональной выставки Flux мне написала Елена на эту страницу, и спросила стоимость картин «Фонтан» и «Цвет августа». Я сразу дала ей контакты галериста и объяснила, что во время выставки продажа – их компетенция) Дальше буквально через пару дней у нас было запланированное событие в рамках выставки – презентация моего каталога. Мы приехали, смотрим, а экспозиция поменялась, двух работ уже нет) Оказывается, менеджеры все устроили оперативно и перед презентацией рассказали, что они также организовали доставку картин клиенту. Покупательница потом прислала фото по моей просьбе, как они повесили работы, и сказала, что очень довольна.
После этого опыта я оставила ещё несколько картин на реализацию этой галерее, и к Новому году ещё одна картина «Карпаты» улетела в частную коллекцию в Швейцарию!
Сергей написал мне в Инстаграм и спросил стоимость работы Бархат (2016). Я ответила и он тут же уточнил, где и когда можно посмотреть и приобрести. Они приехали вдвоём с супругой и, когда увидели все, что у меня есть, то немного застряли с выбором: понравилось сразу картин 5, а остановиться хотели на одной-двух. Я предложила определиться у них) В течении полутора часов мы были на другом конце города. Когда попали на место, мне прям почти сразу стало понятно, что именно подойдёт, и это оказалось другая работа (Огни большого города, которая была на тот момент самой свежевысохшей). Выбрали все довольно быстро: видение у всех совпало и минут через 30 я уже ехала с оставшимися работами (взяли ещё + одну среднюю фигуративную, из раннего) назад в студию на том же грузовом такси.
Через пару лет ребята вернулись за пополнением: супруга попросить сделать на заказ ещё одну работу как дополнение первой основной.
Коннект уже был, свою работу я помнила, но мы все равно встретились на месте, чтоб освежить и все обсудить. Процесс занял до месяца, учитывая цифровые эскизы и пастозную технику (толстый слой масла ).
Коллекционеры остались довольны, а я была рада проведать своих малышек и увидеться снова с прекрасными людьми.
Замечательно, когда ко мне возвращаются снова за другими работами, второй и третий раз, когда нарастает коллекция!) Помню Сергея и Иванну, как интересную пару, с которой приятно поработать надеюсь поработаем ещё!
Огни большого города | Big city lights | (150*100) | View info
Создала этот альбом на тему «историй из жизни», когда написалось 10 коротких кейсов-повестей о том, как я работаю с людьми, о продажах, о покупателях, о милых сердцу, а также поучительных моментах
Сегодня первая история)
Аня написала мне в конце зимы 2020 года, у нас были общие знакомые, но лично знакомы мы не были. Сначала я равнодушно отнеслась к идее очередной он-лайн галереи от незнакомого человека, ведь подобного (и в том числе предложений, рассказов и просто слов на тот момент было как-то особенно много), но потом мы поговорили и я почувствовала, то, что можно только почувствовать и поняла, что Аня знает, о чем говорит. Я пригласила ее в студию, где она рассказала, что хочет открыть свою галерею в Париже, а начать нужно с онлайна. Условия были более чем приятные, Аня была более, чем интересная, и мы быстро и легко уладили все формальности для этого он-лайна. И я забыла про это все, понимая, что это стартап и нужно время. Но времени много не понадобилось. Уже в мае Аня написала и спросила, есть ли в наличии картина из Мехбалета и что клиент уже готов внести предоплату – бронь. Картина была, я сказала , что предоплаты не надо, это ж не заказ. Сказала, что до их визита на просмотр в течении 2-3 дней она будет ждать их бесплатно) Аня привезла свою подругу Катю в конце мая, я рассказала про всю серию Механический балет, и ей понравилось много работ из этой серии. Потом мы списались с ней непосредственно и уже определились в неопределенности (сузили круг до 4 картин, из которых нужно было выбрать 3). Мы предложили привезти картины к ней домой и выбрать на месте, чему она очень обрадовалась и сказала, что это значительно все упростит. Мы приехали в красивый дом, который был наполнен счастливыми и расслабленными людьми. Казалось, в нем все идеально. Меня очень наполняют такие моменты, когда ты чувствуешь, в какой атмосфере будут жить твои работы Плюс, Катя попросила привезти ещё на выбор 4-5 маленьких оформленных работ на бумаге из этой же серии в детскую. Выбор занял 15 минут)
На намерении ещё раз встретиться и попить вместе вина за красоту мы распрощались с Катей и Аней, которая теперь живет в Париже и воплощает свою мечту.
Меня часто спрашивают, откуда я беру вдохновение. Я в разные времена по-разному отвечала на этот вопрос. Сейчас у меня есть новый ответ) Он — два слова: внимательность и ресурс.
Внимательность — это выбор, тонкая работа сознания. Художник, подобно куратору, направляет своё внимание на определенные аспекты жизни, выбирает из всего потока те, которые интересны, полезны, работают на него. Особенно интересные озарения, идеи я сразу стараюсь записывать. Для внимательности нужны условия.
А вот Ресурс для каждого свой, у каждого свои радующие занятия, но ключ — радующие. Деньги+время+желание —базовая комбинация. Затем нужно включить воображение)) У меня очень узнаваемое состояние отсутствия ресурса: события замедляются или останавливаются вовсе, ничего не хочется, пропадает мотивация и смысл, ничего не радует..
Мне войти в ресурсное состояние очень помогают особые путешествия. Путешествие – это билет в один конец и очень гибкие планы по ситуации. Я стараюсь выбирать место с приятной природой и климатом, а ещё конечно, где есть джентельменский набор гор/моря, источников, чистой воды и воздуха, активностей, приятной инфраструктуры, приятных людей, короче, нужно знать места)
Уезжая в то место, что отзывается, как минимум на месяц, меняется образ действий, привычек, людей, климат, появляются новые вызовы и красóты. В путешествия я не беру последнее время рисовальные принадлежности, максимум блокнот и маркер/карандаш.
Лучший тотальный отдых для меня — на природе, а не в городе, с полным отсутствием искусства. Раньше мы очень много ездили на многие европейские выставки, музеи, ярмарки и биеналле, но усталость тела и ума от большого потока таких впечатлений колоссальная, так что это скорее “art work”, чем отдых.
Меняя на некоторое время страну, я даже не покупаю сим-карту, чтоб не залипать в интернете слишком долго, а обхожусь местным wi-fi, устраивая некоторые поездки практически без связи.
Лёгкость очень важна, переключение внимания помогает: первые две недели я вообще не думаю про искусство! Затем начинают происходить волшебные вещи: идеи, вдохновение, желание что-то делать, переосмысления начинают сыпаться сверху сами Я ничего не делаю для этого специально, просто начинаю записывать, а ещё позже изредка зарисовывать… Ничего не жду, не выдавливаю из себя, а просто фиксирую. Позже, по возвращению в Киев,- выбираю, прорабатываю, обсуждаю с Сашей, отсеиваю.
Эти нехитрые действия (+выбор своих мыслей в лучшую сторону, то есть внимательность) действуют снова-таки, как ресурс, который начинает умножаться в арифметической прогрессии. С ним приятно вернуться домой слегка другим человеком и начать действовать исходя из этого бесконечного изобилия
А иногда дела сдвигаются с мертвой точки и во время самого путешествия до возвращения домой. Это признак того, что мир соглашается со мной, а я с ним
То, чему я реально научилась за годы продаж работ и работы с людьми – это то, что не нужно цепляться за не своё. Когда легко отпускаешь любых не твоих людей, любых потенциальных покупателей, особенно тех, на кого начинаешь слишком сильно надеяться, цепляться (а это часто предпосылка, что оно отпадёт), в твою реальность наконец получает возможность войти что-то новое и прекрасное. Это как в скалолазании: трудное место может быть скорее — психологически, когда нужно отпустить очень хорошую зацепу, надеясь только на чувство равновесия и встать на ногах, чтоб дотянуться до чего-то нового руками;) Конечно, чем больше внутреннего ресурса или же осознанного доверия к миру – тем легче отпускаешь, даже радостней (как гора с плеч иногда). Все это, конечно, через страх, особенно вначале нужно учиться его превозмогать в мелочах, на мелких не важных примерах.
Я знаю, что ценитель моего искусства обязательно придёт, а потом вернётся и ещё и друзей приведёт!) Нужно просто его дождаться в нужное время в нужном месте.
Мои люди – останутся со мной надолго. Им нужны будут именно мои работы, и они найдут способ их заполучить.
Этой зимой, работая в гончарном коворкинге над своей керамической скульптурой Гриб №3 (я была единственной, кто делал там скульптуру, а не прикладное: чашки, тарелки), одна девушка подошла и сказала:
«А я вот не решаюсь делать скульптуры, потому что сомневаюсь, что они кому-то будут нужны..» На что я не раздумывая ответила: «А я делаю. Мне достаточно, что это нужно мне. Я верю в свою идею».
Интерьер Xenie Zdeňková
Велика гама | Big gamma (220*120 cm) | View info |
‘Act2_6’, 200*80 cm, холст, смешанная техника, 2019, в холле жилого комплекса А52, 2020.
Это очень круто и статусно, когда картина из авторской серии с выставочной историей находит свой дом в таком публичном месте, близко к домам людей, в месте, где можно отдохнуть, остановиться, где ее увидят множество разных людей. Напомню, «Механический балет» (1,2,3) – это моя долгоиграющая серия 2018-2019гг, которая охватила 6 выставок (3 групповые и 3 персональные), в таких галереях как Mironova foundation, White World и Lite-Haus+Projectraum (Berlin), более 30 работ на холстах и более 20 – на бумаге.
Помню и благодарна Белан Ирина за интересный опыт сотрудничества
Пусть искусство будет ближе ко всем нам Это легко)
Ещё в наличии 5 работ такого же формата из этой серии.
Act 2_6 (200*80 cm, mixed technique on canvas, 2019) | | View info
Офіційне відкриття 11 лютого о 19.00. Вхід вільний.
11 лютого 2021 року в Ornament Art Space відбудеться відкриття персональної виставки Альони Кузнєцової «Гама».
“Стиснення, загасання, заспокоєння: те, що відбувається з природою взимку. Заглиблюючись у внутрішні процеси, я все більш виразно відчуваю всі нюанси, цикли, кольори, і, як наслідок, легше працювати з серією “Гама”, підлаштувавшись до зовнішніх сил, які циклічно змінюють одне одного. Ця серія апелює до межевого стану природи: подекуди більш, подекуди менш структурного, мінливого, і в той же час тихого.” (Альона Кузнєцова).
Виставка є певним підсумковим етапом роботи художниці в період 2020 – 2021 років. Дана пора супроводжувалася глибокими роздумами та адаптацією до незворотніх світових процесів, що відбувалися в суспільстві. Саме цей період дав можливість уважніше придивитися до природніх змін, почути в них відгомін власного єства та згармонізувати себе в синхроні з навколишнім середовищем. Власне, роботи авторки відрізняються від попередніх етапів мінімізацією кольорової гами, а саме обмеженню її лише до кількох кольорів і відтінків та дослідженню гри нюансів. Виключно спокійна гама безпредметного живопису. Відображення перехідних етапів різних пір року, чистий колір, відчуття спокійного озера взимку, тиша і глибина – ключові елементи виставки.
В експозиції представлено 18 полотен в поєднанні з малою скульптурною пластикою. Різні за формою та розмірами, твори відтворюють змінні миттєвості природних явищ, підтримуючи та підкреслюючи основу ідейну лінію. Роботи створені в кількох техніках абстракціонізму, що вказує нам на експерименти художниці, зокрема з текстурами та кольоровими плямами.
Альона Кузнєцова – українська художниця-абстракціоністка, учасниця багатьох всеукраїнських та міжнародних виставок, фіналістка конкурсу Objects Art Prize, учасниця резиденції та міжнародних арт ярмарок. Роботи знаходяться в приватних колекціях в Україні, Німеччині, США, Італії, Іспанії, Швейцарії, Росії, Великобританії.
Виставка триватиме з 11 лютого до 5 березня в Ornament Art Space за адресою: Київ, вул. Василя Тютюнника, 53.
Офіційне відкриття 11 лютого о 19.00. Вхід вільний.
11 лютого 2021 року в Ornament Art Space відбудеться відкриття персональної виставки Альони Кузнєцової «Гама».
“Стиснення, загасання, заспокоєння: те, що відбувається з природою взимку. Заглиблюючись у внутрішні процеси, я все більш виразно відчуваю всі нюанси, цикли, кольори, і, як наслідок, легше працювати з серією “Гама”, підлаштувавшись до зовнішніх сил, які циклічно змінюють одне одного. Ця серія апелює до межевого стану природи: подекуди більш, подекуди менш структурного, мінливого, і в той же час тихого.” (Альона Кузнєцова).
Виставка є певним підсумковим етапом роботи художниці в період 2020 – 2021 років. Дана пора супроводжувалася глибокими роздумами та адаптацією до незворотніх світових процесів, що відбувалися в суспільстві. Саме цей період дав можливість уважніше придивитися до природніх змін, почути в них відгомін власного єства та згармонізувати себе в синхроні з навколишнім середовищем. Власне, роботи авторки відрізняються від попередніх етапів мінімізацією кольорової гами, а саме обмеженню її лише до кількох кольорів і відтінків та дослідженню гри нюансів. Виключно спокійна гама безпредметного живопису. Відображення перехідних етапів різних пір року, чистий колір, відчуття спокійного озера взимку, тиша і глибина – ключові елементи виставки.
В експозиції представлено 18 полотен в поєднанні з малою скульптурною пластикою. Різні за формою та розмірами, твори відтворюють змінні миттєвості природних явищ, підтримуючи та підкреслюючи основу ідейну лінію. Роботи створені в кількох техніках абстракціонізму, що вказує нам на експерименти художниці, зокрема з текстурами та кольоровими плямами.
Альона Кузнєцова – українська художниця-абстракціоністка, учасниця багатьох всеукраїнських та міжнародних виставок, фіналістка конкурсу Objects Art Prize, учасниця резиденції та міжнародних арт ярмарок. Роботи знаходяться в приватних колекціях в Україні, Німеччині, США, Італії, Іспанії, Швейцарії, Росії, Великобританії.
Виставка триватиме з 11 лютого до 5 березня в Ornament Art Space за адресою: Київ, вул. Василя Тютюнника, 53.
Кратко и по делу. Подпись работ. Заметили, что рубрика #бытьхудожником как-то приутихла последние 4 месяца? Более короткий метр (формат) сейчас идёт лучше: серия Гамма почти тут вся и краткое практическое руководство о такой простой и неочевидный практике.
An artist who has been making art all her life. An artist who does not belong to a particular religion, but seeks awareness and practices meditation. Alena Kuznetsova is experimenting with different themes and styles, but over the years, from time to time interest in spirituality has appeared in her paintings. In a new series of paintings she paints a self-portrait at age 33 completing her personal transformational thirty-third year. The artist cares for purity and environmental friendliness – at home, consciousness, art. Alena lives the Buddhist concept of detachment – everything flows, everything changes. We observe how transformation by the internal crisis affects her work, and how therefore a new series of paintings is born.
Про мою “летнюю” мастерскую, другие мастерские, серию “Гамма”, показываю процесс работы, и задаю насущные вопросы.
Художники, напишите, как вы сейчас живете без выставок, а может вам удалось организовать что-то в 2020м? Если да, то имело ли это для вас желаемый эффект и результат?
Вчерашний процесс в мастерской.
Вернулась к серии Гамма, которую начала в марте этого года. Давно хотела вернуться к сдержанным оттенкам, идеально вторящим пасмурной погоде, осенне-зимним дням. 🖤
Могу работать над этой серией в определенном состоянии, спокойном и с мыслями вглубь.
Виртуальный 3D-тур по онлайн-выставке “Grand Ballet mecanique” (5.07 – 31.07.2020) c 32 работами из серий “Механический балет” в двух виртуальных залах. Посмотреть выставку можно на главной странице http://alenakuznetsova.com
О цвете в моей художественной практике. Период с 2008 года и по сей день. О методах работы. О чего я отталкиваюсь в работе с цветом, источники вдохновения. О любимых абстрактных художниках. Зачем классическое (полное) худ образование, если вы работаете с беспредметным, зачем нужно знать историю искусства? Обещанная в видео ссылка: https://www.artsy.net/article/artsy-e…
О том, как я стала работать именно в беспредметной живописи, что для меня абстрактное искусство и нужно ли образование, если вы пишете абстрактные картины?
Потянуло на большой размах again
Новая работа из совсем еще в проекте/процессе серии в сдержанной гамме
Эта (под рабочим названием Большая гамма) – исследование баланса между легкостью и тяжестью
И повод рядом постоять для масштаба 😁😊 #myworkspaceisart
Качество. Искусство на вес золота. С какой цены начать? Влияние институций. Как выставочная деятельность влияет на цену? Посредники, как с ними быть? Формула расчета цены на живопись. Что в случае продажи за рубеж?
Что такое Artist statement или кредо художника? Кому из художников оно нужно, а кому нет? На каком этапе карьеры лучше озаботиться этим вопросом? Три подхода. 5 наводящих тем-вопросов. Цитаты-примеры.
Выставка финалистов конкурса для украинских молодых художников @Objects art prize. Второй год подряд в финале. 🙂
Первая моя выставка в Киеве, на которой я отсутствовала. Благодарна организаторам за прекрасные фото!
Полный фотоотчет: https://www.prizeobjects.com.ua/2020/exhibition/
Поддерживающий и ободряющий выпуск. О кризисах, переменах, судьбе художников, о моем новом проекте Отношения с образом. Является ли искусство для вас базовой потребностью? Как вы проводите время на карантине? Об эффективности и продуктивности художника.
Наслаждайтесь виртуальной выставкой номинантов от организаторов Objects art prize, в которой принимает участие мой диптих из серии Механический балет: https://vimeo.com/399419935
0. Анонсы моих выставок и финал конкурса!)
Мультфильм про завод Радикал (Киев): https://vimeo.com/135450135
Objects art prize: https://www.prizeobjects.com.ua/2020/
1. Фотодокументация своих работ.
2. Цифровой Архив своих работ.
3. Сертификат подлинности работы.
4. Тексты-описания к работам
5. Artist statement
6. Portfolio и CV
7. Фотограф для ивентов
8. Сайт
9. Соцсети
10. Как писать в галерею?
05 березня 2020 року о 19:00 в залах Київської муніципальної галереї «Лавра» відбудеться масштабне відкриття всеукраїнської виставки «СЕРЕДОВИЩЕ ІСНУВАННЯ. МАНІФЕСТ 2020».
Мой мультфильм “Завод-спрут”, а также работы ещё более 100 украинских художников можно будет увидеть на протяжении месяца в галерее Лавра.
Переулок Лаврский, 9, вход в белые ворота.
Мультфильм в первом зале от входа.)
UPD. Мультфильм по техническим причинам транслироваться будет далее только онлайн.
Арт-ярмарки и выставки за границей.
Какие бывают ярмарки? Стоит ли ехать туда самостоятельно или от галереи (а если да, то куда)? Нужно ли это художнику, какова вероятность продажи? Личный опыт, подводные камни. Bodensee art fair и Международная выставка-ярмарка в Сеуле. Выставка в Берлине. Удачи вам, делитесь своим опытом, буду рада!
Итак, впереди выходные, а у меня с вами мини-юбилей выпусков #бытьхудожником! 5-й выпуск получился более серьезным, ведь он про образование в сфере визуального искусства в Украине. 👩🎓👨🎓
Прошлась по таким моментам: 📍 Плюсы и минусы государственного арт-образования в Украине как постсоветском пространстве. 📍 Разница между украинским и “западным” высшим образованием. Связь арт-рынка и качества образования. 📍 Частное дополнительное образование в Украине. 📍 Платные школы, курсы, гранты, резиденции. 📍 Литература, магазины, интернет-паблики, единичные лекции. 📍 Кем/каким должен быть ваш преподаватель?
Жду сама с нетерпением, когда же очередь дойдет до более личных выпусков про мои процессы-актуальное, но все по порядку)
Рубрика Алены Кузнецовой об искусстве. Выпуск 4 о Современном искусстве. Истоки, эталонный город, что такое современное искусство? Является ли все искусство, созданное в наши дни, “современным”? Каким оно должно быть, чтобы войти в эту категорию? Кто это решает? Что такое “иституции”? Может ли живопись быть современным искусством? Что такое контекст и зачем он нужен?
Выпуск 3. Неформальный.) Часть интервью Анастасии Клысаковой в моей студии в Киеве. Рассказ о том, где, когда и при каких обстоятельствах я продала свою первую картину.
2й выпуск о здоровой самокритике, о том, нужно ли делать выбор в сторону сильных своих работ и отказываться от слабых. Также здесь о том, что значит быть художником, и о своем пути от академического подхода через контемплятивный метод – к поиску своего собственного пути.
Ура! Этот момент настал! Я наконец начала новую рубрику #бытьхудожником⭐️🥳💌⚡️❤️
За последние годы мне приходило очень много вопросов от начинающих художников и даже их родственников на тему “с чего начать”, как выйти на тот уровень, на котором я сейчас? Как стать успешным? Как сделать выставку? Как продавать свои работы? Что должен знать и уметь художник? Что главное в этой сфере, а что опциональное? Художник – это профессия или предназначение? На все эти и не только вопросы я постараюсь ответить постепенно. Надеюсь, эта рубрика будет вам помогать и мотивировать!
Буду очень благодарна за лайки, подписки и отзывы)
Далі буде)))) https://www.youtube.com/watch?v=GXGLONNHOW8
п.с. Знаю, звук не идеален..
п.п.с. Волшебники существуют, с условием, что вы сами для себя ими станете!
“Для меня Механический балет – это больше, чем механизм, и даже больше, чем оркестр; это триггер-напоминание о том, что в жизни, как и в конкретно живописи, очень легко скатиться в автоматизм, и все, что действительно имеет значение, это бдительность, и любовь.”
Завершающая третья выставка серии Ballet Mecanique (2018-2019).
14.11 – 2.12
О.Гончара, 84
пн-пт 8.00 – 20.00
сб 9.00 – 18.00.
Работы можно приобрести, прайс на ресепшене.
Новое видео! Работы из серий Classic abstract и Liquid, в разных пространствах: на выставках, в интерьерах и в деталях. Картины из видео можно найти по ссылкам:
Обзор авторского каталога. 80 страниц, 4 живописные серии, выбранные работы с 2015 по 2018 гг, список выставок, кураторские тексты. Выпуск: август 2018. Стоимость 200 грн. Для приобретения пишите на info@alenakuznetsova.com или в личные сообщения на страницу https://www.facebook.com/aku.color/
В продолжение к предыдущему, такому популярному, посту о моем пути и о цвете..)
“Красота – это негаданная встреча швейной машинки и зонтика на операционном столе”
Лотреамон
У меня очень сложные отношения с “красотой”. Я имею ввиду красоту в искусстве. В какой-то момент мне стало очень скучно все традиционно красивое. Все очень понятно, предсказуемо. Единственная традиционная красота, которая меня восхищает – это красота природы. Тут уж ничего не могу с этим поделать, оно сильнее меня. Но это не в коем случае не означает, что она нуждается в копировании и подражании. Все равно ее невозможно превзойти, зачем подражать?
Если вернуться к искусству, гораздо увлекательнее вещи, которые прежде всего “интересные”, а не “красивые”. В технической красоте – угодливость, декоративность, и она единственно оправдана, когда совпадвет с внутренним инсайтом и ощущением (у меня такое было). Но идиллия не может длиться вечно: на смену одним временам приходят совсем другие, вместе с новыми вопросами, столкновениями, шероховатостями, диссонансом, нарративом. Педалировать на традиционных понятиях красоты всю сознательную художественную жизнь – для меня поверхностно и нечестно, это ремесленничество. Я живу в неидеальном мире, где есть все оттенки и явления. Художник никому ничего не должен, но должен сам себе. “Я знаю ваш кодекс, но мне веселей дурить”. Так, предчувствием этого понимая, стала еще в 2018 году серия “Механический балет”, сейчас я не знаю, что будет дальше, начинаю прощупывать, пробовать, отпускать, ломать и снова строить, очень аккуратно и неспеша, так, чтоб ничего не пропустить и ровно столько, сколько у меня есть.
Я занимаюсь искусством всю свою сознательную жизнь, сколько себя помню, много и постоянно. После 10 лет классического (академического) образования с 1998 по 2008, я еще 10 лет занималась изучением цвета и самостоятельной работой (с 2008 по 2018), подтягивая свои пробелы (после всего этого!) и у частных преподавателей, и в школах и курсах современного искусства, и в тщательно выбираемой литературе – теория шла параллельно с практикой. Паралленьно я занималась теорией и историей искусства XX века – там происходило самое интересное, (с 2013 по сей день). Также я самостоятельно последние 5 лет активно интересуюсь всем современным искусством в широком понимании этого слова, чтобы мыслить свою практику в его контексте, и конечно, тем, что происходит на местной Киевской и украинской арт-сцене. Но! Это все не имеет такого значения, какое имеет моя личная практика. Для меня это прежде всего, живопись.
Цвет всегда был наделен для меня сакральным смыслом. Он связывал внутренний и внешний мир, всегда неразрывно был связан с Природой, ее качествами и процессами, и конечно, человеком, ощущаемым мной всегда как ее часть. Он также связан для меня с Космосом, временем, музыкой, точными науками и в конце концов, поэзией. Количество работ, которые были не плохи, но тем не менее хладнокровно мной уничножены за последние 10 лет с целью экономии средств на материалы и как проходящий этап не достойный быть выставленным на широкую аудиторию – измеряется точно в десятках готовых работ на холсте маслом (не считая еще большего количества эскизов).
Мне нравится работать с цветом в совершенно разных техниках, подходах и формах. Это для меня настолько глубокий мир, что я могу переключаться между восприятем цвета (и себя, своих отношений с миром, и – как следствие – такие формы будут принимать мои серии, выставки, проекты) от космической субстанции к телесности, социальным отношениям, носителя информации, поэтическо-музыкального медиа, духовного медиума и так далее..
С “Глубинами сознания”, 2016-й год. Серия “Природа ощущений”. 💛
Арт-проект «Траєкторія» є художнім дослідженням таких понять, як рух, динаміка, енергетика, їх взаємодії та впливу на емоційні поля, створення певних настроїв, які народжуються при поєднанні або перетинанні траєкторій рухів окремих об’єктів, масс, особистостей.
Динамічний безпредметний живопис Альони Кузнєцової із серії «Механічний балет. Акт II» своєю композицією, фактурністю, поєднанням різних медіа (від акрилу до емалей та аплікації) нагадує незвичайну музику (механічну чи може електронну), яка своїм звучанням складає оригінальні траєкторії танцю, що триває не тільки в просторі, але й у часі.
Ці чудернацькі траєкторії перетинаються з колоссальною енергетикою скульптурних планет Юрія Мусатова. Кожна з планет є візуальною аналогією життя живого організму, з усіма притаманними йому характеристиками – чуттєвістю та пристрастю, пластичністю та динамікою, делікатністю та крихкістю. У поєднанні траєкторій абстрактного живопису та потужної поетичної енергетики скульптур-планет народжується особливий стан творчої піднесенності, особливої художньої чуттєвості.
Тетяна Міронова, засновниця Mironova Foundation:
«На мій погляд, проект є оригінальною і дуже сучасною візуалізацією класичного поняття «художня естетика», яка є однією з ключових складових справжніх витворів мистецтва».
Відкриття виставки: 14 травня о 19:00
Тривалість виставки: 14.05 – 4.06.2019
Адреса: м.Київ, провулок Лаврський, 9
Графік роботи та інформація: Mironova Foundation
Контактна інформація: info@mironova-gallery.com
Alena Kuznetsova, one of the best-known Ukrainian contemporary artists, moved to Kiev more than 15 years ago to join the city’s emerging art scene. She’s famous for her abstract paintings, and her work can
be found in private collections both in Ukraine and abroad, including Germany,
the United States, Switzerland, Italy and Russia.
Працюю вже 10 днів в мистецькій резиденції ім. Назарія Войтовича в селі Травневе Тернопільської обл. Разом з іншими митцями готуємось до фінальної виставки в Збаражському замку 15/06 о 16-00. Живопис, кераміка, ленд арт, відеоанімація, мозаїка.. Я наразі практикую українську і роблю живописний проект “Увертюра. Щоденник”, що є частиною більшого майбутнього проекту “Механічний балет”.
14 марта о своей арт-среде расскажет художница Алена Кузнецова. Она расскажет не только о своем пути от академической живописи к абстракционизму, проектах в которых участвовала, но и о влиянии цвета на человека.
Alena Kuznetsova работает в жанре беспредметной (абстрактной) живописи и изучения цвета с 2007. Выпускница Киевского национального университета строительства и архитектуры по специальности «Изобразительное искусство». Участница таких художественных школ-мастерских как: Контемплятивной школы живописи Анастасии Борониной (Санкт-Петербург, 2007-2010), студии Николая Шкарапуты (Киев, 2010), Школы современного искусства при ИПСИ (Киев, 2014-2015), Школы Визуальных Коммуникаций (Киев, 2015), Новой Художественной Школы (Киев, 2015).
Начало в 19.00.
Вход свободный.
Арт-Среда – проект IZOLYATSIA. Platform for Cultural Initiatives, который стремится создать для творческих людей максимально непринуждённую атмосферу общения. Формат события определяют сами участники: это может быть презентация, выставка, кинопоказ, перформанс, лекция и/или дискуссия. Арт-Среда создаётся для того, чтобы предоставить творческим людям пространство для презентации различных художественных практик, а также дать возможность поделиться информацией об актуальных исследованиях, идеях и событиях.
Адрес: улица Набережно-Луговая 8, 4 этаж, студия 2.
Yay! Me in the shortlist of Ukrainian artists you should know!! https://theculturetrip.com/europe/ukraine/articles/10-contemporary-ukrainian-artists-you-should-know/
Thank you Culture Trip and Maria Sibirtseva for this wonderful material 💛 FYI:
“An independent Ukrainian painter, who creates abstract works centering on the theme of space that seek a sense of instability and weightlessness. Interestingly, her work is rather sober, similar to laboratory work or scientific research. Alena Kuznetsova thoroughly explores painting and color as an independent entity through a combination of multiple techniques.”
Тривалість: 8.12 – 8.01, Музей Історії Києва, Куратори Юлія Нужина і Тетяна Маліновська.
* Мої роботи із серії “Плоть. Інше” 2014 року.
~ Безпредметний живопис – “білий куб”, реальність якого будується виключно в просторі внутрішніх відчуттів, вихованих і вирощених в умовах аскези від зовнішнього світу, політичного і соціального. Поява графічних анатомічних частин в безпредметному — рішення, яке з’являється в момент руйнування особистої вежі зі слонової кістки, усвідомлення своєї ролі в соціумі, жест, який звернений на рубіж. Феномен тілесності. Що може володіти більш очевидною унікальністю, приналежністю суб’єкту і недоторканністю, ніж тіло? У той же час, що може бути так ефективно і безпосередньо задіяно в проявах самого конкретно грубого впливу, на яке здатна людина? Поява конкретного впізнаваного знаку в чистому кольорі — той рубіж в еволюційному прагненні, який було перейдено. Капітуляція кольору перед широтою спектра мистецьких практик, капітуляція аскетичного перед соціальним, капітуляція приватного перед публічним.
(…) Итак, начиная с 2012 года процесс углубления в цвет и беспредметное стал совсем интересным. Я много работала маслом, пробовала делать монохромную живопись, графику, в то время началась моя активная выставочная деятельность. Задумывала в то время идею выставки с не то чтобы монохромами, а такими картинами, где доминирует (превалирует) один цвет, но ситуация (композиционное содержание) отражают его объективную сущность.
Как видите, это не были классические монохромы, скорее работа с гаммами. Размер этих картин 70*80 см, холст, масло. Почти все они были закрашены/переписаны.
Постепенно гаммы начали расширяться в своем диапазоне и я начала чувствовать себя более свободно в том, что хочу делать, начался своеобразный “хулиганский” этап.
Эти работы того периода счастливо дожили до сих пор) Слева - "Дни дождя и тумана", доступна),
Справа - "Прекрасная осень" (160*90 см, холст, масло), в частной коллекции.
С этой картины (ниже) 2013 началась серьезная история моей практики беспредметного, когда я почувствовала уверенность, начала интересоваться манифестами Кандинского и Малевича, историей искусства ХХ века.
"Совершенно секретно", 70*90 см, холст, смешанная техника. В частной коллекции.
Затем я написала работу “Пейзаж 1” по мотивам моей фото серии Полоски для конкурса-проекта Украинский пейзаж (Мистецкий Арсенал). К слову, очень много работ за рамками классического медиа (живописи) собраны на http://alenaku.blogspot.com/
Фотосерия "Полоски", 2013
"Пейзаж-1" (90*180 см, диптих), холст, масло, 2013.
Мой 2013-й был насыщен выходом за рамки живописи, а более широким восприятием возможностей искусства: фото, видео, диджитал, инсталляция.. Жизнь вдали от благ цивилизации в карпатской пещере в рамках скалолазных путешествий вылилась в серию “Пещерный дневник”..
Слева: жизнь в лесу и пещере.
Справа: Пещерный дневник, серия графики. 2013 -... А4, смешанная техника.
В 2013 году была создана инсталляция “Пузырь” из строительной пленки и трех новогодних гирлянд по 100 грн, скрепленных в единую цепь и запущенных по периметру. Он был прекрасен снаружи – как гигантская медуза, внутри – как волшебное иглу и инсталлирован в рамках фестиваля More-голь кажется II в Эфире, Киев.
Тогда я увлекалась цифровыми возможностями фотошопа, создавая такое баловство:
Цифровая графика
2014. То ли события в Украине стали катализатором, то ли 2013 год отдыха от привычных практик, но я почувствовала, что начался прорыв) В 2013 я начала новую серию беспредметной живописи совсем в другом стиле акрилом, а не маслом. Позднее, я поняла, чего не хватает этой серии: выхода из башни из слоновой кости, то есть графических анатомических элементов. Так появилась серия “Плоть. Другое”, выставленная в мастерской Эфир (киев) в феврале 2014-го. Эта серия дала мне новое направление движения, которое я использовала и развивала вглубь по сей год.
Слева: "Плоть №7", 90*70 см, холст, акрил. Справа: "Плоть №5", 100*80 см. Доступны.
На открытии выставки "Плоть", Эфир, Киев.
Дальше – новое качество, когда цвет становился менее “форменным”, жестким, а все более растворялся в текучести и нюансах, как облака в 2007-м…
Слева: "Бирюза", справа "День и ночь", обе 90*90 см, холст, смешанная техника. В частной коллекции.
Хотя в работах этого года еще очень даже видна глобальная композиция.
Слева направо: "Сон в майскую ночь", "Малышка", "Август", 160*90 см, смешанная техника. В частных коллекциях.
С 2015 года я совсем серьезно взялась за работу, начала мыслить проектно и успешно продавать свои работы, нащупав путь и ощущение цвета, постепенно начав выводить несколько собственных интересных живописных техник.
Слева: "Зимний сад" (100*90), справа: "Океан", 100*150 см, холст, смешанная техника. В частной коллекции.
2015 -й год стал снова очень иным с моей художественной практике. Я начала обращаться к современному искусству, уделять больше внимания концепции и идее, процессу мышления. Обратилась к учебным курсам в SVC, познакомившись с чудесными художницами Кристиной Соломухой (Ренн) и Алевтиной Кахидзе (Киев). Параллельно участвовала в групповых проектах и выставках современного искусства в Киеве.
Мой мультфильм "Завод-спрут", участвовавший в конкурсной программе фестиваля анимации Linoleum.
Также я прошла конкурсный отбор на бесплатный недельный интенсивный курс с Яниной Пруденко “Нова Художня Школа: Liquid City” в рамках Культурного проекта: http://www.newartschool.org/?s=Liqu… . Это был незабываемый опыт работы в команде по 4 человека с проблематикой Киева, исследования его текучести, особенностей нескольких районов и использования новых медиа (MAX MSP) для создания художественного высказывания и презентации проекта в публичном пространстве (медиа инсталляция на БЖ): http://alenaku.blogspot.com/p/kyiv-…
2016 год. Я снова вернулась к цвету. Методом бесконечных “лабораторных” экспериментов реализовала свои идеи и “вырастила” новую сложную технику в новой серии работ..
"Андромеды", диптих, 100*140 см, оргалит на подрамнике, смешанная техника. Доступна
"Вселенная-1" (справа), 120*100 см, холст, смешанная техника, доступна.
Слева: "Вибрация присутствия", слева: "Глубины сознания", 75*130 см обе. Доступны
Цвет здесь – как тихий, но исчерпывающий медиум, который обращается непосредственно к ощущениям в теле, обходя стороной аппарат мышления и логики. Неподготовленный зритель часто задается вопросом “что здесь изображено?”, как это понимать?, пытается найти в моей живописи узнаваемые образы “я здесь вижу девушку, а здесь – собачку, а здесь – пейзаж”. Это нормально, так работает наш умозрительный аппарат, привыкший за тысячелетия борьбы за выживание озадачиваться в первую очередь распознаванием образов, изображений. Еще очень знаковым моментом я считаю тот факт, что в русском и украинских языках “изображение”, “образ” настолько укоренились в сознании, что само “изобразительное искусство”/ “образотворче мистецтво” звучат безапелляционно.))
Моя работа из серии "Daydreamer" (на основе моей картины Новая волна, групповая выставка Drawing Utopias, London (2016)
Можно еще более углубиться в этот вопрос, прочитав переведенную с англ мной статью “Ваш мозг и искусство…”: https://www.facebook.com/notes/kuzn…
Моя беспредметная живопись 2016/2017 (выставки “Природа ощущений” и “Гравитация” очень “природна”: во-первых, обращена к стихиям, во-вторых, на более наглядном примере, напоминает фракталы или карту Google Earth с природной гаммой и текучестью, когда при изменении масштаба разворачиваются все новые пласты реальности. Так же и в моей живописи: гравитация, текучесть, тектоника, техника, расстояние, с которого она воспринимается (масштаб), имеют важнейшее значение. И, конечно, колорит. Конечно, равновесие, баланс цвета. Конечно, опыт. Конечно, стремление к новому.
Справа: "Большая бирюза", 73*90 см, оргалит на подрамнике, смешанная техника. Доступна.
Все актуальные (доступные) работы у меня всегда размещены на главной странице сайта http://alenakuznetsova.com/
Такой минимал-дзен у меня появился в конце 2016 года, как ностальгия по длительным карпатским аскезам от интернета, переписок и больших холстов..
"Карпаты", 100*150 см, холст, масло. 2016
Позволю себе еще краткий экскурс в 2015 год, чтоб раскрыть предисторию волнующей меня тематики. Эта работа делалась под кураторский текст для выставки “Зерна нового. Время как реальность” в Modern art research institute и впервые в моей приктике затрагивала тему излишества, визуального шума и мусора потребляемого современным человеком, живущим в городе и каждый день использующего Интернет.
И вот, на фоне всех этих “отступлений в реальность” но в новом качестве, в 2016 году у меня появилась идея живописной серии, которую я с нежностью называю Back to school, с настоящим названием Kill bill (bill – именно с маленькой, сокращенно-уменьшительно от billboard). На обложке этой заметки – фрагмент одной готовой работы этого года.
С весны 2016 года я думала, писала концепт, формировала идею. С лета – активно исследовала контекст, собирала материалы, документировала интересные объекты. С осени 2016 – начала делать первые работы. На данный момент (осень 2017) я заканчиваю последнюю работу к персональной выставке в конце октября 2017 (следите за новостями на странице).
Меня здесь интересовала тема грани между абстрактным/беспредметным и фигуративным/формалистским искусством; вопрос бесконечного информационного потока и мусора в нашу цифровую эпоху, а также вопрос рекламы в городском пространстве, которая является неконтролируемой трэшевой частью этого потока.
100*200 см, холст, масло, 2017. В процессе.
Приходите на открытие проекта Kill bill, обсудим все вышеупомянутые вопросы и то, к фигуративной или абстрактной живописи тяготеют эти работы.)
Как итог обеих частей перепросмотра моей художественной практики, могу заметить, что Kill bill – вобрал в себя все, что я знала и почерпнула более чем за 10 лет образования и самостоятельного пост-образования, постоянного прибывания в художественном контексте в Украине и за рубежом и навыков художественного мышления. Прямолинейность, цитировние и кажущаяся очевидность проекта являются лучшими выразительными средствами для этой идеи (полный текст будет в описании мероприятия открытия выставки). Увидимся!
Мой путь в искусстве начался довольно прозаично, благодаря бабушке Оне, которая отвела меня 12-летнюю в детскую государственную художественную школу в городе Светловодск ныне Кропивницкой области. Рисовала я много и запойно с раннего детства, не прекращая, но подписываться в еще одну институцию на четыре года, кроме общеобразовательной, я не слишком стремилась, понимая, чем это все может закончиться, и самое забавное, что мои подозрения таки оправдались..)
Натюрморт, а3, бумага, акварель, работа с натуры. 2-й класс худ. школы (1999 г).
Окончив все это дело с отличием вместе с моим девятым классом, к одиннадцатому нужно было решать что делать дальше. Решив идти в искусство до конца, походила еще полгода в художку вместе с четвертым классом, а отчаившись научиться новому, пошла знакомится с другими художниками в более неформальную тусовку с преподавателями из Харьковской школы Витей и Наташей Чумаченко, с которыми общаюсь и по сей день. Там мое сознание подрасширилось, поскольку подход к художественному мышлению был совсем иным. Витя очень вдохновленно объясняет, как видеть пространство, как его мыслить, отделяет зерна от плевел. Его учителем был Николай Куликов, известный харьковский художник.
Затем началась подготовка к поступлению в художественный ВУЗ. Спасибо родителям, благодаря им сильно подтянула свою академбазу, занималась сразу у трех преподавателей по рисунку, живописи и композиции в институте им. Бойчука пару месяцев, но настолько интенсивно, что было чувство, что я пересела с телеги на Феррари) Где именно учиться – у меня тогда, ребенка из провинции, не было не малейшей идеи, так что рассматривались “заведения” с утилитарным уклоном в хоть что-то смежное с L’art pour l’art, типа дизайна, полиграфии и т.д. (об Академии я тогда вообще ни сном ни духом, увы, хотя позже ‘взяла’ и оттуда все, что смогла наработать, посещая вечернюю натуру и устраивая социальную живопись по цвету в мастерских друзей).
Учебный рисунок с натуры. Бумага, карандаш. 2003 г.
Итак, мой корабль свободного плавания причалил в гавань Киевского национального университета строительства и архитектуры (!), так как на архитектурном факультете оказалась чудесная специальность ОМ (образотворче мистецтво) на пять лет. Специальность ранее воспитывала художников-преподавателей, позднее переиграв их в “художников-дизайнеров” (интерьера). Поступила на бюджет я молниеносно, так как единственная в группе сдала первый по счету экзамен по живописи на 12 баллов, во что еще долго не могла поверить. В целом, мне все очень нравилось, особенно профилирующие живопись, рисунок и пластанатомия, не считая акции “птичка вырвалась на свободу и здравствуй, ВСЕ” в течении года прекрасного забивания на какое-либо углубление в искусство. Затем, в 2006 году со мной случился катарсис и отношение к труду и искусству сильно поменялось: я начала очень много работать. Вот прям очень. И это реально рецепт успеха, не считая хороших наставников и везения. Может даже я слишком серьезно стала относится к каждой постановке, к каждой задаче, но я понимала, что нужно ловить момент, что осталось всего два с половиной года учебы, что мне тут все предоставляется: мастерские, преподаватели, натура, время, что все это очень скоротечно.
Вот немногие сохранившиеся работы того периода в рамках учебной программы и не только.
Натуры у нас было много и я ее любила. А еще был прекрасный предмет Скульптура и пластическая анатомия, где мы учили анатомический атлас на знание всего опорно-двигательного аппарата, с зарисовками из Ене Барчаи и знанием всех мышц и костей, рисовали череп с натуры, воевали с экорше в пластилине и делали совсем забавно ретроградные вещи типа ба- и горельефов выдающихся украинских деятелей и тп. К сожалению, документаций этих дел у меня не сохранилось.
Рисунок с натуры. Слева: А3, карандаш, справа: А1, уголь.
В 2006 году помню, начала реально кайфовать от своего уже минимально накопившегося опыта и мастерства, поняв, что я могу выразить этими инструментами довольно много всего, начала делать массу работ вне учебной программы, пробовать новые материалы, например масло, коллаж.. Затем, меня просто распирало от живописи и рисунка, и мне хотелось постоянно что-то создавать.
Первая самостоятельная работа маслом, которой я не стыжусь специально, а следовало бы)
Размер где-то 50*70 см, была продана в том же году на Андреевском спуске за 350 грн.
Летняя практика у нас была год или два подряд в Киево-Печерской лавре, где я перерисовала с натуры тонну классической архитектуры, куполов и пилястр.
Архитектурный контекст. Акварели.
В 2007 году случилось очень знаковое событие в моей жизни: я познакомилась на выставке и лекции питерской художницы Анастисии Борониной с ней самой и ее подходом к цвету. Она – классический адепт школы контемплятивной (от англ. ‘contemplate’ – созерцать) живописи в Гетеануме, Дорнах, Швейцария, ученица Герарда Вагнера и Рудольфа Штайнера. Мне стало очень интересен такой подход к цвету, как самостоятельной сущности, я стала учиться методу, ездить под Питер в резиденцию к Насте, на краткие курсы, и даже пригласила ее участвовать в совместной выставке в Киеве в 2008 году. К слову, в этом году я написала магистерскую работу и защитила диплом в КНУБА по теме композиционных приемов в интерьере и органической архитектуре. На фоне дипломной (текстовой по бОльшей части) работы контемплятивная живопись стала реально “бальзамом на душу”. Я переехала из общаги на квартиру и появилась возможность устраивать целые социальные сессии по цвету для друзей и знакомых, когда цвет является медиумом для диалога между несколькими участниками. https://vimeo.com/100136247
Моя матрица мира расширилась благодаря контемплятивной живописи, ведь когда на одну систему знаний накладывается другая, появляется возможность их сопоставить, копнуть глубже и сделать выводы. Я и понятия не имела, что цветовых кругов (спектров) есть несколько и они являются результатом исследовательской работы многих ученых (Гете, Оствальд, Иттен..)
Работы, участвовавшие в первых выставках: совместной в 2008 г в галерее Худграф и
персональной в 2009 в галерее на Фроловской. Слева: масло, справа: акварель.
Это (выше) были первые шаги в абстрактной живописи (тогда, как я понимала, изучения цвета в новом методе), но я не была готова так сразу резко переключиться в беспредметное после 10 лет работы с натурой. Многие мои задумки в то время были фигуративными, и я продолжала писать картины.
Особенно удивительным, как последний глоток “старой школы”, стала для меня дипломная работа по живописи “Пробуждение или джазовое пространство”. Она собрала все, чем я дорожила в то время: медитативность, джазовая музыка фестиваля в Коктебеле, импрессионизм, восхождение и вид с высокой горы, рассвет после глубокой ночи. Каждый рассвет в течении месяца был мой.) Выбиралась в общаге на балкон с этюдником и писала с натуры цвет неба, облака.. Облака! Это был очень полезный опыт, который научил меня видеть тончайшие цветовые нюансы, быстро работать на пленэре. Ходила по клубчикам Киева на джазовые концерты, чтоб сделать с натуры наброски музыканта с контрабасом и успела написать много сопутствующих работ, подтянув свой навык масляной живописи.
Слева: “Пробуждение или джазовое пространство” (60*80 см, холст, масло).
Справа: "Туда", 40*50 см, холст, масло.
В 2008 году я подала заявку на визуальную программу молодого еще тогда но многообещающего фестиваля Гогольфест, прихватив с собой еще несколько знакомых художников. Выставила там свой триптих “Курчат по веснi рахують”.
Слева: атмосфера пространства Андеграунд на Гогольфесте-2008 (я-справа).
Справа - моя работа, участвовавшая в той экспозиции, средняя часть триптиха “Курчат по веснi рахують”.
Дальше – больше. Я занималась живописью нон-стоп, и больше даже фигуративной, но цвет неуклонно укреплял свои позиции как все более самостоятельный медиум.
Слева: СЛОН, 60*80 см, холст, масло.
Справа: зима в Карандынцях, 80*60 см, холст, масло. Работы в частных коллекциях.
2008 год был насыщен фигуративом, по горячим следам практики с натурой.
Многие работы я тогда закрашивала и переписывала десятки раз: с одной стороны, для меня это был постоянный живой подвижный процесс поиска, я понимала, что еще очень мало знаю и умею и со временем некоторые “готовые работы” казались слабыми и, за дефицитом холстов и подрамников, не жалея, трансформировались в другие. Многие дарились, а некоторые обменивались на утилитарные нужды. Совсем редко работы продавались за бесценок.
Тут цвет начинает "выходить на передний план" в прямом и переносном смыслах.
Весь этот детский сад должен был когда-нибудь прекратиться..)) И прекращаться он стал плавно, примерно с 2009 года..
"Тарас Григорьевич", 50*70 см, холст, масло
По-прежнему мне была интересна как натура, так и цвет, его потенциал выразительности. Поначалу я работала с цветом акварелью (как в резиденции у Насти, так и в мастерской в Киеве) согласно методу, который начала изучать. Позже, на всех этих работах, он начал быть чем-то иным, чем-то лично моим, не подчиняясь посторонней философии или системе мировоззрения.
Слева "Это человек. Материальное." 70*70, х.м. Справа: "Это человек. Духовное." 70*70 см, х.м.
Обе работы в частных коллекциях (Киев).
Справа: "Ева". 45*75 см, х.м. 2010. В частной коллекции (Украина).
Слева: работа в частной коллекции (Германия).
Пока цвет тут до сих пор выглядит довольно “жестким”, сформированным в твердые структуры, как бы “фигуративным”.
Справа: "В ожидании солнца" 70*80 см, х.м. Работа в частной коллекции.
Со временем все твердое рассыпается, растворяется, переходит в иное качество.. (to be continued)
p.s. Все работы – Алены Кузнецовой
Слева - акварель, 40*60 см; справа - масло, 60*100 см. Работа в частной коллекции.
Простые правила, как найти достойное произведение искусства в интерьер и не скатиться в кич (с плохими и хорошими примерами беспредметной живописи, и даже не моей в большинстве случаев).
Как у художника, у меня за плечами 10 лет профильного образования и ещё почти десяток самостоятельной работы в области беспредметной живописи и современного искусства. Работаю с дизайнерами и архитекторами уже четвертый год. Слежу за новостями, обожаю современную архитектуру и интерьер. Путешествуя, стараюсь обязательно включить в must visit крутые музеи и галереи совриска. Вижу разное. Вижу, что часто дизайнеры берут для своих визуализаций, когда им нужна “картина”. Есть очень продвинутые товарищи-архитекторы, которые работают с топовыми художниками, галереями; есть те, кто за неимением опыта/знания/влияния на заказчика идут на убийство своего проекта, дополняя его аматорским живописным декором. А есть те, кто просто хочет чуть больше разобраться что к чему. Этот недлинный текст с картинками для всех вас)
Искусство в интерьере – очень важный элемент, способный сделать его действительно уникальным и продемонстрировать статус владельца. Возникает вопрос масштаба мировоззрения, вкуса и желания инвестировать. Да-да, вы не ослышались. Профессиональное искусство имеет свойство расти в цене со временем. Это логично: художник – это бренд, который вкладывает в себя, свой опыт, рост и навыки постоянно, на протяжении жизни. Это как будто акции apple, которые будут только дорожать.)
Как отличить плохое искусство от хорошего? Конечно, бывать в музеях, которые специализируются на современном искусстве, в топовых галереях в Украине (а их не так много) и за рубежом, расширять кругозор читая специализированные ресурсы, заходить на Wiki Art.
А сейчас немного мифов о живописи с плохими/хорошими примерами.
Пестрее – не значит лучше.
Цвет – очень тонкий инструмент влияния на нашу психику. Если всех цветов много сразу и они взяты в максимальной насыщенности – ничего гармоничного это вам не принесет.
Это плохо
Как бы не хотелось душе пестроты, помните – всему есть предел. Особенно в жилом пространстве, например в гостиной. Если от картины начинает резать глаз после 30 секунд созерцания – бегите!)) В крайнем случае заведите попугая.
Совет: не гонитесь за всеми цветами радуги одновременно! Все сразу – это кич. Художник работает гаммами, а есть понятие колорита, основного цвета в картине.
Бывают и исключения, особенно когда это что-нибудь такое и в транзитной зоне. Во-первых, тут есть “выдох” за счет белого, во-вторых – экспрессия и понятие композиции, в третьих – коридор. Неплохо задает динамику и настроение при выходе из дома)
2. То же самое (пестрота) + лица/люди/животные (фигуратив) = ?
Наличие фигуратива не освобождает от ответственности. Это (фигуратив) – самая обманчивая и каверзная по отношению к неискушенным адептам зацепка. Весь тот же кислотный ужас цвета но плюс что-то узнаваемое могут ввести в заблуждение, что если на картине в кислотных тонах присутствует черты пейзажа или прекрасных нимф, то это имеет право называться искусством, перед ними – шедевр, а художник “умеет рисовать”. Никогда не верьте этому мракобесию. При сильных симптомах обратитесь к специалисту.
Это тоже плохо
Главное в живописи – равновесие. Посему, даже в таком жанре можно найти редкие исключения. Например, киевская художница Алина Максименко: Видите разницу? А она есть, как между тюнингованным запорожцем и феррари)
Алина Максименко
Не буду вас больше мучить и сосредоточимся на хорошем.) Следующий миф:
3. В классический интерьер подойдет только Шишкин. Ну или как минимум, Три богатыря.
Как вам такая детская? А кабинет? Все очень гармонично. Когда вы идете на Андреевский за жуткими штампованными пейзажами, в мире умирает один котик.
А если вам ненароком дарят картину с стиле “мимими” или “моя жена увлеклась рисованием год назад”, – лучше сразу признаться честно, что отдадите ее на благотворительность или повесите максимум в подъезде. Нет, не надо в подъезде.
4. Монохромная живопись? Не, не слышали.
Разновидность абстрактной живописи, где присутствует (или сильно доминирует) только один цвет. Вы спросите: это шутка? Вот, просвящаю: www.facebook.com/HistoryOfMonochromePainting/
Моя монохромная “Осень” в интерьере, визуализация
Есть целое направление в живописи, которое возникло в конце XIX века и ознаменовано такими именами, как Казимир Малевич, Ив Кляйн, Эд Рейнхард, Барнетт Ньюман, наш Тиберий Сильваши. Это настолько круто, минималистично и тончаково (фактура, тонкости оттенка, колебания которого настолько незначительны, что это отличная тренировка глаз, и сборка внимания), что доступно только избранным.)
Похоже на International Klein Blue
5. В спальню – только розовый нежняк. Или что-то красное
Ну включите воображение, наконец! Ведь мир искусства – это почти религия, на него можно молиться) Когда вещь мощная сама по себе, под нее можно подобрать цветовую гамму всего интерьера, любой комнаты. Страсть же может быть выражена через композицию и динамику, как в данном примере:
6. В маленькой квартире с низкими потолками может быть только миниатюрная графика.
Ни для какого дизайнера не секрет, что яркие объекты, с крупным узором, и с ярко выраженной текстурой кажутся больше, чем объекты, окрашенные в пастельные тона, с мелким рисунком и гладкой поверхностью. Поэтому по классике жанра в маленьких пространствах обычно опасаются больших объектов/работ. Но! Правила существуют сами знаете для чего и иногда можно пойти от обратного:
Особенно, если очень хочется. Только осторожней с насыщенностью! (см. пункт 1)
7. Деньги. Хорошее искусство стоит больше 10К у.е./ Искусство должно стоить не больше 300 у.е. за работу.
Есть арт-рынок. Понятное дело, если вы погуглите мировые аукционные дома, то там счет в миллионы за какого-нибудь Поллока, или Ротко. Есть украинский арт-рынок в зачаточном состоянии. Посредники (аукционные дома, галереи, арт-дилеры) своим статусом (it depends) дают как бы гарантию на качество, но и берут немало. Если вы не хотите переплачивать, есть ум, с помощью которого вы сможете, немного помониторив цены, например у живых и активных художников, которые хотя бы 5 лет на рынке, немного сориентироваться.
Если художник имеет профессиональное образование, ведет выставочную деятельность хотя бы порядка 10 лет (важно тоже – где, в каких институциях), на его сайте постоянно обновляются работы, на фб-странице больше трех лайков за пост, а гугл находит его по имени фамилии+слову художник, – наверное, это кое о чем говорит. По крайней мере, что это не “однодневка”, который “впарит” вам что-то, и забудет через полгодика, кто он вообще. С интернет ресурсами нужно быть аккуратней и тоже не всем слепо верить. Некоторые работают “без фильтра” и публикуют все, что им присылают на анонс.
Так как эта статья по большей части для простых смертных, а не для горстки коллекционеров, покупающих в топовых галереях работы мэтров, есть простая схема. Берете бОльшую сторону картины в милиметрах – это и будет вам приблизительная стоимость в у.е. (например в евро). Это схема очень приблизительная, не обессудьте, и она касается довольно успешных художников, не студентов. У мэтров эта формула может умножаться на десять в Украине. Конечно, как говориться, ты стоишь столько, сколько за тебя платят.
С другой стороны, дорогие неофиты и поклонники прекрасного, имейте совесть! Я сталкивалась с тем, что стоимость работы пытаются сбить в два раза, снова же, аргументируя тем, что в курсе цен на молодых художников. Наверное, очередной раз, не разобравшись, подумали, что мне 16)))) Дорого – ну есть принты, обои, ковры наконец, роспись стен недорого, или ужасные примеры в пункте 1 и 2 (простите, не удержалась). Если вы бубочка, супер интеллигентный и классный, то можете конечно, спросить о скидке и с первой покупки, художник тоже человек, как и вы. А тем более, если вы дизайнер или архитектор и мы друг друга понимаем). Есть те, кто и с первого раза просит скидку, но потом обязательно возвращается за второй и третьей работой. Вот это я понимаю – стабильность!
В общем, не жалейте на хорошее искусство денег. Оно может быть ценнее, чем вся мебель вашей среды обитания вместе взятая.
Про то, как мы с Сашей делаем лайфхак: едем на строгий немецкий фестиваль, но на юг))
«documenta» (рус.документа) — выставка современного искусства, проходящая каждые пять лет в Касселе, Германия. Основана в 1955 году художником и куратором Арнольдом Боде. На первой документе были представлены художники, оказавшие заметное влияние на современное искусство (Пикассо, Кандинский и др).
Выставка должна была восстановить нарушенную традицию авангардистских выставок в Германии, прерванную в 1937 году нацистами, устроившими обличительную «Выставку дегенеративного искусства». Впоследствии документа стала одним из самых значительных событий в современном искусстве. В этом году первый раз проходит как в Касселе, так и в Афинах.
в EMST–National Museum of Contemporary Art, одна из основных локаций
Идея пришла спонтанно: в то время, когда основная масса киевской арт-тусовки ринулась на Венецианское биеннале (главное и раскрученное арт-событие), нам захотелось чего-то более камерного, к тому же на Документу я мечтала попасть с 2015 года, да и в Афинах мы не были на тот момент ни разу и, если честно, особых ожиданий не питали.. Но вышло все как ни крути, волшебно. По-первых, Афины оказались очень зеленым городом с множеством парков, скалистых холмов прям посреди города, как оазисы, внезапно возвышающимися в самых неожиданных местах.
вид с горы-парка рядом с местом, где мы жили
Все сделано для людей: продуманность застройки, парки, уютные кафешки, музеи, транспорт, англоговорящие не только молодые люди, и пожилые, то есть все, доступные цены – все это очень склоняет к расслаблению и счастью))
Вид на Акрополь (Эрехтейон) с подножья
Изначально мы особенно не планировали посещать исторические локации типа Акрополя, хотя я это помню из истории искусств в университете, но, увидев памятники непосредственно на горе рядом, не смогли удержаться..
портик Парфенона
Все оказалось лучше, чем можно было предполагать) Мы влюбились в город, его жителей, архитектуру, тропический климат, историю и море)
Планировка города устроена таким образом, что солнце садится строго по направлению улицы и можно наблюдать закат, идя по ней, множество видовых площадок..
Монастираки – центральная площадь
Вечерние Афины – отдельный мир: благодаря продуманной подсветке абсолютно всего и вся, создается ощущение сказки. Температура ночью в июне +20, та что можно гулять, сколько душе угодно, наслаждаясь прохладой и сидеть на одном из тисяч (не преувеличиваю) летников.. или пойти на открытие выставки современной фотографии, как сделали мы пятничным
Подсветка Academy of Athens (Panepistimio square)
вечером в случайно обнарауженной The TAF art foundation с фотовыставкой молодых художников, или пойти на бесплатный на концерт инди-музыки тоже в одном из парков, или зависнуть в таверне в центре, или подняться на холм (гору) в 15 мин ходьбы от дома с захватывающим видом на город..
гора с рестиком, колокольней и монастырем, в 15 мин ходьбы до верха от нашего дома и обязательной вечерней подсветочкой не только дорожек, и а самого скалистого склона). Хорошо, что Саша потащил нас туда в последнюю ночь, это был самый волшебный десерт ever)
А теперь про сам фестиваль Documenta 14. Чтоб было понятно, локаций фестиваля всего 47.. то есть посетить такую цифру было бы возможным только, будь мы постоянными резидентами этого прекрасного места, но увы пока.. Поэтому мы выбрали главные из них, а это:
EMST–National Museum of Contemporary Art
EMST–National Museum of Contemporary Art
Сдание построенно в 2016, вход 8 евро. Экпозиция на уровне, как и архитектура. По ссылке можно увидеть, как выглядит здание издалека: https://frieze.com/article/document…
Сосредоточение самых зрелищных и масштабных проектов.. от гигантских масок, до плетеных фигурок, 3d печатных античных мини-статуй, кусков металла, неоновых трубок, мохнатых меховых скульптур, видео, конечно, живопись, звуковых работ, документов, белых кубов, абстрактных вышитых геометрических картин, схем особого музыкального языка…
EMST–National Museum of Contemporary Art. Экспозиция
EMST–National Museum of Contemporary Art. Экспозиция
2. Афинская консерватория (Odeion)
Афинская консерватория (Odeion). Экспозиция
Находится в центре, мы прогулялись через National Garden, еще 5 мин – и вуаля! Понравилась архитектура: очень интересная, плюс акустика, насколько мы могли судить по некоторым видео и звуковым работам, отличная.
Афинская консерватория (Odeion). Экспозиция
Тут было еще больше отсылок к звуку и музыки, это были темы множества работ: от исследований и придуманного языка неким европейским ученым прошлого века, до записей работы оркестра, плюс, конечно, инсталляции, перфоманс и живопись..
Инсталляция с палаткой, звуком (подвешенные колонки, завернутые в шерсть), неоновыми трубками.
Афинская консерватория (Odeion). Экспозиция с множеством видов музыкальных инструментов, сделанных их мебели
3. Benaki Museum—Pireos Street Annexe
Тут архитектура тоже не подкачала, это один из филиалов музея Benaki на улице Pireos. На улицу смотрит кинетическая инсталляция, напоминающая ветряную мельницу.
При входе попадаешь во внутренний двор с инсталляцией на тему минимальных жизненных потребностей. Подниматься по ступенькам нельзя – это уже часть скульптуры)
Эта локация показалась нам самой серьезной и строгой, минимум зрелищности, максимум геополитики. Плюс там были самые длинные 2-х часовые фильмы без малейшего намека на эстетическую составляющую: глитчи, полуабстрактное видео с документацией говорящего во сне человека.. Наивная африканская живопись, сложная и интересная инсталляция про связь всего и вся, “от войны в Сирии до вашего дивана”, много текста, сложные по технике плоскостные работы типа левкаса, выставка, посвященная Еве Браун, по стилю напоминающая украинские вытынанки..
Ковры-гобелены восточного художника (с политическим посылом)
Инсталляция про то, как все в этом мире связанно между собой)
Супер навороченная и сложная техника
4. Athens School of Fine Arts (ASFA) – афинская школа изящных искусств, типа нашей Академии
Видео про советскую облицовку зданий (киев) и Валерия Ламаха
Там нам понравились два видео, которые интересно было досмотреть до конца: “Сад Вивиан” и видео про облицовку советских городов.
Проект на эко тематику с придуманными животными, сделанными из мусора
Отдельным пунктом ASFA – непосредственно Школа изящных искусств, как постоянно действующая институция, где царит дух полной свободы, действий и высказываний: искусство абсолютно везде, обрисовано все, полное слияние и использование пространства на свое усмотрение, много стрит-арта прям на стенах альма-матер.
Отдельная графа в ASFA – стрит-арт, которым изобилуют стены всего комплеса зданий, а также интерьеры.. Это например – перед входом в локацию Документы.
Холл
Подготовка к студенческой выставке, типа нашего просмотра
Открытые мастерские
Что можно дополнить к вышесказанному? Это был лучшее расширение сознания за последний год в плане “увидеть и почувствовать то, что никак не ожидаешь и даже больше”, в атмосфере тотального релакса, радости, гор и моря.. Моя мечта путешествовать по Европе так, чтоб все сферы жизни, природа, искусство и наслоения истории и культуры соединялись максимально гармонично начинает воплощаться в реальность.)))
Тема эстетики – это тема прекрасного в природе и прекрасного в искусстве.
Современная эстетика характеризуется значительным расширением тематического поля.
Искусство стало одним из сегментов, элементом современной эстетического поля.
С чем связанно расширение эстетического поля за пределы искусства и за пределы прекрасного?
Многие теоретики называют этот процесс – эстетизацией. Это масштабный процесс, который происходил с обществом модерна последние десятилетия.
Под эстетизацией подразумевают ряд трансформационных процессов под которыми подразумевают изменения в установках человеческих масс.
Эти изменения в основном затрагивают изменения в отношении у миру, в отношении к самому себе, с той ролью в которой чувственность играет в материальной и социальной жизни.
Современная эстетика существенно отличается от понятия эстетики 100-150 лет назад, когда основной темой эстетики было искусство. Сфера современной эстетики существенно расширена. Она не ограничивается искусством как одним из своих сегментов. Современная эстетика интересуется социальным не в меньшей степени чем искусством.
Долгое время искусство трактовалось как независимая изолированная область.
Одна из ключевых черт искусства – это его автономия, его способность сохранять структурную целостность, которая выражается в способности генерировать специфическую предметность, вызывать определенный тип чувств, определенный тип переживаний, восприятий, которые как правило не встречаются в повседневности.
Эта автономия, изолированность социального и художественного – это одна из форм, этапов коммуникации и связи между эстетическим и художественным. Искусство выполняло роль эксклюзивной социальной дифференциации, стратификацию общества на уровни доступа к определенным типам опыта, типам и уровням восприятия, к уровням доступа.
Современна эстетика тематизирует социальное позитивно. Связь не служит условиям возможности эстетического, условиям существования. Изменения связаны с эстетизацией.
Эстетизация – это один из процессов связанных с модернизацией, когда общество модерна связанно с изменениями самосознания субъекта модерна.
Эти изменения реализуются не только в области политики (всеобще право на выборы), не только в сфере экономики, связанного с развитием капиталистического общества, но это также связанно с изменениями в системе чувственности, то что некоторые теоретики называют СЕНСОРИУМОМ.
Эмансипация субъекта, возникновение самосознающего индивида не возможно без возникновения субъекта, который в какой-то степени осознает и контролирует свою чувственную сферу. Усиление мотива, интереса к эстетическому на уровне индивида – это одна из основных черт динамики модернизации.
Эстетизация – это реальный трансформационный процесс, о котором можно говорить используя не только философские, но и социологические подходы. Это связанно со стойким интересом в последние десятилетия социологии к сфере чувственного. Этот интерес различен по импульсам, но он устойчив.
Эстетическая сфера – одна из парадигм позитивных моделей для эмансипативного развития общества, для его позитивных трансформаций. (Франкфуртская школа)
Новая социология искусства теоретически связанна с культуро-социологией, которая воспринимает эстетический опыт не как симптом реальных социальных отношений, не как нечто скрывающее социальную реальность, а воспринимает позитивно, как ту сферу, где способны генерироваться новые типы социальности, новые возможности самосознающего субъекта, новые типы общности.
Естетизация связана с:
1. экономической сферой;
2. с медиа;
3. с историей искусства;
Одним из мощных триггеров процессов эстетизации было возникновение музеев. Это привело к тому что искусство утратило долю автономности, независимости. Музей воспринимался как социальная институция, как публичное пространство, которое обеспечивает доступ широким слоям населения к искусству. Сама композиция музейного пространства, в рамках которого на одной плоскости располагаются отдельные предметы искусства, автоматически ведет к либерализации отношения к сфере искусства. Когда ваш взгляд может скользить от одного произведения искусства к другому, в известной степени центр тяжести переносится от самого произведения, которое было призвано захватывать внимание, захватывать разум, на свободу воспринимающего, на свободу зрителя, он сам решает как перемещать внимание, как перемещать тело от одного произведения к другому.
Развитие средств информации усиливают эмансипативную тенденцию заданную музеями. Здесь уместным и актуальным становится тезис Вальтера Беньямина о том, что образ становится мобильным, трансмедиальным, он не связан с первоначальным медиумом, скользит от одного средства репрезентации к другому, когда изображения доставляются зрителю, а не он должен предпринимать усилия для того чтобы оказаться в символической власти, которую на него должен оказывать образ.
Эмансипативная тенденция, характерная для последних лет, подходит к своему завершению. Этот перенос тяжести с произведения на опыт зрителя выражается в том, что современный индивид сегодня испытывает интенсивное раскрытие, присутствие своей внутренней сферы, сферы переживания.
Эстетический опыт, опыт перцепции, опыт восприятия переживает свою автономию.
Возникает историческая перекличка с автономией искусства, которому, в какой-то степени, было безразлично то, кто его воспринимает. Оно выступало с позиции диктата по отношению к свою зрителю, который воспринимался автоматически как профан по отношению к сакральному содержанию искусства.
Многообразие материальных поверхностей, артефактов нейтрализует власть визуального содержания произведения искусства, власть контекста. Они освобождают перцептивный акт, сам опыт восприятия.
Только при этих перцептивных ощущениях, в этих условиях индивид становится по-настоящему современным, он становится по-настоящему свободным. Эстетический опыт, прежде всего – это территория свободы.
Специфика естетического опыта состоит в том, что он не встроен в другие опыты.
Его цель не располагается за его пределами, он осуществляется ради себя самого. Он представляет своего рода автономное пространство, на то время, на тот момент пока он осуществляется.
Это уникальное пространство свободы, которым мы располагаем. Пространство, на которое не может посягнуть никто извне.
Это не осуществляет освобождения от социального детерминизма, но дает ощущения на какое-то время абсолютной свободы распоряжения собственным миром, собственным временем, собственным пространством.
Киевская художница Алёна Кузнецова последовательно продолжает свои художественные исследования абстрактной живописи и цвета как самостоятельной сущности. Работы из новой серии отсылают зрителя к космической тематике. Абстракция выстраивает альтернативные пространства, уводящие взгляд во вселенскую бесконечность. Александра Погребняк пообщалась с художницей в процессе подготовки к персональному проекту «Гравитация» в киевской галерее Nebo. Открытие выставки совпадает с Международным днём космонавтики и состоится 12 апреля.
Серия “Природа ощущений” и сякухати очень созвучны. Игра на дзен-флейте – тоже свободное исследование, без малейшего представления, как будет выглядеть результат, все интуитивно, все в моменте.. Разница в лишь в фоне, в основе: в визуальном искусстве я профессионал, в музыкальном же – аматор-самоучка.
На фоне – картины “Внутри” и “Большая бирюза”.
Всім привіт! Відкриваю набір на курс Форма і Колір з рисунку та живопису для дорослих, Київ, офлайн)
There is one thing that strikes the viewer at first about your works available online: their extreme variety, both in their technique and in their motifs. Oil paintings, pastels, acrylics, digital works, mixed media, watercolours, sculptures, installations, … Gentle lyrical abstractions and roadside landscapes as if captured on the spot, reflections on image and communication …
The anti-painting of Joan Miró is not an actual technique as it is more of a statement. He didn’t mean to violate or to deconstruct the norms and traditions of painting, but rather to remove all sacred qualities and status of the artistic work. It began with his claim:
Color as complete medium 
Art and factory: look to the production
Art and nature have always found ways to intersect with one another, the latter being a huge source of inspiration for artists. Found across many forms: rural and historical for the Classicists, grandiose and wild for the Romantics, or sensitive and poetic for the Impressionists. But it was only much later that the artist became aware of the environment’s fragility. 
Я занимаюсь искусством всю свою сознательную жизнь, сколько себя помню, много и постоянно. После 10 лет классического (академического) образования с 1998 по 2008, я еще 10 лет занималась изучением цвета и самостоятельной работой (с 2008 по 2018), подтягивая свои пробелы (после всего этого!) и у частных преподавателей, и в школах и курсах современного искусства, и в тщательно выбираемой литературе – теория шла параллельно с практикой. Паралленьно я занималась теорией и историей искусства XX века – там происходило самое интересное, (с 2013 по сей день). Также я самостоятельно последние 5 лет активно интересуюсь всем современным искусством в широком понимании этого слова, чтобы мыслить свою практику в его контексте, и конечно, тем, что происходит на местной Киевской и украинской арт-сцене. Но! Это все не имеет такого значения, какое имеет моя личная практика. Для меня это прежде всего, живопись.
14 травня Mironova Foundation презентує спільний проект «Траєкторія» від українських митців 
