Мой путь в искусстве начался довольно прозаично, благодаря бабушке Оне, которая отвела меня 12-летнюю в детскую государственную художественную школу в городе Светловодск ныне Кропивницкой области. Рисовала я много и запойно с раннего детства, не прекращая, но подписываться в еще одну институцию на четыре года, кроме общеобразовательной, я не слишком стремилась, понимая, чем это все может закончиться, и самое забавное, что мои подозрения таки оправдались..)
Слева: фомат а3, бумага, акварель, работа с натуры. 2-й класс худ. школы (1999 г). Справа: формат А4, бумага, фломастеры, работа с натуры, 2-й класс худ. школы (1999 г).
Окончив все это дело с отличием вместе с моим девятым классом, к одиннадцатому нужно было решать что делать дальше. Решив идти в искусство до конца, походила еще полгода в художку вместе с четвертым классом, а отчаившись научиться новому, пошла знакомится с другими художниками в более неформальную тусовку с преподавателями из Харьковской школы Витей и Наташей Чумаченко, с которыми общаюсь и по сей день. Там мое сознание подрасширилось, поскольку подход к художественному мышлению был совсем иным. Витя очень вдохновленно объясняет, как видеть пространство, как его мыслить, отделяет зерна от плевел. Его учителем был Виталий Николаевич Куликов, известный харьковский художник.
Затем началась подготовка к поступлению в художественный ВУЗ. Спасибо родителям, благодаря им сильно подтянула свою академбазу, занималась сразу у трех преподавателей по рисунку, живописи и композиции в институте им. Бойчука пару месяцев, но настолько интенсивно, что было чувство, что я пересела с телеги на Феррари) Где именно учиться – у меня тогда, ребенка из провинции, не было не малейшей идеи, так что рассматривались “заведения” с утилитарным уклоном в хоть что-то смежное с L’art pour l’art, типа дизайна, полиграфии и т.д. (об Академии я тогда вообще ни сном ни духом, увы, хотя позже ‘взяла’ и оттуда все, что смогла наработать, посещая вечернюю натуру и устраивая социальную живопись по цвету в мастерских друзей).
Учебный рисунок с натуры. Бумага, карандаш. 2003 г.
Итак, мой корабль свободного плавания причалил в гавань Киевского национального университета строительства и архитектуры (!), так как на архитектурном факультете оказалась чудесная специальность ОМ (образотворче мистецтво) на пять лет. Специальность ранее воспитывала художников-преподавателей, позднее переиграв их в “художников-дизайнеров” (интерьера). Поступила на бюджет я молниеносно, так как единственная в группе сдала первый по счету экзамен по живописи на 12 баллов, во что еще долго не могла поверить. В целом, мне все очень нравилось, особенно профилирующие живопись, рисунок и пластанатомия, не считая акции “птичка вырвалась на свободу и здравствуй, ВСЕ” в течении года прекрасного забивания на какое-либо углубление в искусство. Затем, в 2006 году со мной случился катарсис и отношение к труду и искусству сильно поменялось: я начала очень много работать. Вот прям очень. И это реально рецепт успеха, не считая хороших наставников и везения. Может даже я слишком серьезно стала относится к каждой постановке, к каждой задаче, но я понимала, что нужно ловить момент, что осталось всего два с половиной года учебы, что мне тут все предоставляется: мастерские, преподаватели, натура, время, что все это очень скоротечно.
Слева: натурщица, формат А2, бумага, карандаш, 2007. Справа: иллюстрация к "Перевоплощению" Кафки, А3, бумага, карандаш.
Вот немногие сохранившиеся работы того периода в рамках учебной программы и не только.
Акварельки. Слева: А5, справа: портрет с натуры, А3.
Натуры у нас было много и я ее любила. А еще был прекрасный предмет Скульптура и пластическая анатомия, где мы учили анатомический атлас на знание всего опорно-двигательного аппарата, с зарисовками из Ене Барчаи и знанием всех мышц и костей, рисовали череп с натуры, воевали с экорше в пластилине и делали совсем забавно ретроградные вещи типа ба- и горельефов выдающихся украинских деятелей и тп. К сожалению, документаций этих дел у меня не сохранилось.
Рисунок с натуры. Слева: А3, карандаш, справа: А1, уголь.
В 2006 году помню, начала реально кайфовать от своего уже минимально накопившегося опыта и мастерства, поняв, что я могу выразить этими инструментами довольно много всего, начала делать массу работ вне учебной программы, пробовать новые материалы, например масло, коллаж.. Затем, меня просто распирало от живописи и рисунка, и мне хотелось постоянно что-то создавать.
Первая самостоятельная работа маслом, которой я не стыжусь специально, а следовало бы) Размер где-то 50*70 см, была продана в том же году на Андреевском спуске за 350 грн.
Летняя практика у нас была год или два подряд в Киево-Печерской лавре, где я перерисовала с натуры тонну классической архитектуры, куполов и пилястр. С тех пор не очень жалую всю классическую религиозную структуру.
Архитектурный контекст. Акварели.
В 2007 году случилось очень знаковое событие в моей жизни: я познакомилась на выставке и лекции питерской художницы Анастисии Борониной с ней самой и ее подходом к цвету. Она – классический адепт школы контемплятивной (от англ. ‘contemplate’ – созерцать) живописи в Гетеануме, Дорнах, Швейцария, ученица Герарда Вагнера и Рудольфа Штайнера. Мне стало очень интересен такой подход к цвету, как самостоятельной сущности, я стала учиться методу, ездить под Питер в резиденцию к Насте, на краткие курсы, и даже пригласила ее участвовать в совместной выставке в Киеве в 2008 году. К слову, в этом году я написала магистерскую работу и защитила диплом в КНУБА по теме композиционных приемов в интерьере и органической архитектуре. На фоне дипломной (текстовой по бОльшей части) работы контемплятивная живопись стала реально “бальзамом на душу”. Я переехала из общаги на квартиру и появилась возможность устраивать целые социальные сессии по цвету для друзей и знакомых, когда цвет является медиумом для диалога между несколькими участниками. https://vimeo.com/100136247
Моя матрица мира расширилась благодаря контемплятивной живописи, ведь когда на одну систему знаний накладывается другая, появляется возможность их сопоставить, копнуть глубже и сделать выводы. Я и понятия не имела, что цветовых кругов (спектров) есть несколько и они являются результатом исследовательской работы многих ученых (Гете, Оствальд, Иттен..)
Цветовое поле Гете (сверху) и двенадцатичастный цветовой круг (по Иттену).
Работы, участвовавшие в первых выставках: совместной в 2008 г в галерее Худграф и персональной в 2009 в галерее на Фроловской. Слева: масло, справа: акварель.
Это (выше) были первые шаги в абстрактной живописи (тогда, как я понимала, изучения цвета в новом методе), но я не была готова так сразу резко переключиться в беспредметное после 10 лет работы с натурой. Многие мои задумки в то время были фигуративными, и я продолжала писать картины.
Особенно удивительным, как последний глоток “старой школы”, стала для меня дипломная работа по живописи “Пробуждение или джазовое пространство”. Она собрала все, чем я дорожила в то время: медитативность, джазовая музыка фестиваля в Коктебеле, импрессионизм, восхождение и вид с высокой горы, рассвет после глубокой ночи. Каждый рассвет в течении месяца был мой.) Выбиралась в общаге на балкон с этюдником и писала с натуры цвет неба, облака.. Облака! Это был очень полезный опыт, который научил меня видеть тончайшие цветовые нюансы, быстро работать на пленэре. Ходила по клубчикам Киева на джазовые концерты, чтоб сделать с натуры наброски музыканта с контрабасом и успела написать много сопутствующих работ, подтянув свой навык масляной живописи.
Слева: “Пробуждение или джазовое пространство” (60*80 см, холст, масло). Справа: "Туда", 40*50 см, холст, масло.
В 2008 году я подала заявку на визуальную программу молодого еще тогда но многообещающего фестиваля Гогольфест, прихватив с собой еще несколько знакомых художников. Выставила там свой триптих “Курчат по веснi рахують”.
Слева: атмосфера пространства Андеграунд на Гогольфесте-2008 (я-справа). Справа - моя работа, участвовавшая в той экспозиции, средняя часть триптиха “Курчат по веснi рахують”.
Дальше – больше. Я занималась живописью нон-стоп, и больше даже фигуративной, но цвет неуклонно укреплял свои позиции как все более самостоятельный медиум.
Слева: СЛОН, 60*80 см, холст, масло. Справа: зима в Карандынцях, 80*60 см, холст, масло. Работы в частных коллекциях.
2008 год был насыщен фигуративом, по горячим следам практики с натурой.
Многие работы я тогда закрашивала и переписывала десятки раз: с одной стороны, для меня это был постоянный живой подвижный процесс поиска, я понимала, что еще очень мало знаю и умею и со временем некоторые “готовые работы” казались слабыми и, за дефицитом холстов и подрамников, не жалея, трансформировались в другие. Многие дарились, а некоторые обменивались на утилитарные нужды. Совсем редко работы продавались за бесценок.
Тут цвет начинает "выходить на передний план" в прямом и переносном смыслах.
Весь этот детский сад должен был когда-нибудь прекратиться..)) И прекращаться он стал плавно, примерно с 2009 года..
"Тарас Григорьевич", 50*70 см, холст, масло
По-прежнему мне была интересна как натура, так и цвет, его потенциал выразительности. Поначалу я работала с цветом акварелью (как в резиденции у Насти, так и в мастерской в Киеве) согласно методу, который начала изучать. Позже, на всех этих работах, он начал быть чем-то иным, чем-то лично моим, не подчиняясь посторонней философии или системе мировоззрения.
Слева "Это человек. Материальное." 70*70, х.м. Справа: "Это человек. Духовное." 70*70 см, х.м. Обе работы в частных коллекциях (Киев).
Справа: "Ева". 45*75 см, х.м. 2010. В частной коллекции (Украина).
Слева: работа в частной коллекции (Германия).
Пока цвет тут до сих пор выглядит довольно “жестким”, сформированным в твердые структуры, как бы “фигуративным”.
Справа: "В ожидании солнца" 70*80 см, х.м. Работа в частной коллекции.
Со временем все твердое рассыпается, растворяется, переходит в иное качество.. (to be continued)
p.s. Все работы – Алены Кузнецовой
Слева - акварель, 40*60 см; справа - масло, 60*100 см. Работа в частной коллекции.